PROPORCIONADO POR
ACERO PURO
DREAMWORKS
Género: Acción-Drama
Clasificación: Por determinar
Fecha de estreno en EE.UU.: 7 de octubre de 2011
Reparto: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand
Director: Shawn Levy
Productores: Don Murphy, Susan Montford, Shawn Levy
Productores ejecutivos: Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey, Mary McLaglen, Josh McLaglen
Guión: John Gatins
Basada en una historia de: Dan Gilroy y Jeremy Leven
Basado en el cuento
corto “Steel” de: Richard Matheson
Una audaz y estremecedora película de acción ambientada en un futuro cercano, en el que el boxeo se ha transformado en un deporte de alta tecnología. ACERO PURO está protagonizada por Hugh Jackman, quien encarna a Charlie Kenton, un boxeador fracasado que pierde la posibilidad de ganar un título cuando poderosos robots de 90 kilos y más de dos metros de altura comienzan a competir.
Convertido en un promotor de poca monta, Charlie sobrevive ensamblando robots de bajo costo, a los que apunta en peleas del circuito amateur. Finalmente, cuando esta situación toca fondo, Charlie se asocia con su casi desconocido hijo Max (Dakota Goyo) para construir y entrenar a un auténtico robot campeón.
A medida que suben las apuestas en la brutal arena en la que todo vale, Charlie y Max, contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.
ACERO PURO está dirigida por Shawn Levy (de la franquicia Noche en el museo y Una noche fuera de serie).
ACERO PURO es una película dramática de acción sobre un ex boxeador (Hugh Jackman) quien, contra todos los pronósticos, logra una última oportunidad de triunfar cuando se asocia con su casi desconocido hijo (Dakota Goyo) para construir y entrenar el contendiente perfecto del boxeo de alta tecnología.
DATOS CURIOSOS
- Dirigida por Shawn Levy (Noche en el museo, Noche loca), ACERO PURO está ambientada en un futuro cercano, donde los robots se han apoderado del ring desplazando a los humanos.
- Hugh Jackman (Lobezno, El truco final) protagoniza ACERO PURO donde interpreta a Charlie Kenton, un arriesgado ex boxeador con problemas económicos, quien ahora se gana la vida en competencias de robots de poca monta, operando a los boxeadores de metal que volvieron obsoleta su profesión.
- Cada robot posee un aspecto, personalidad y paleta de colores bien definidos y mide entre 2 y 2, 50 metros de alto. Basado en el cuerpo humano, cada robot posee dos piernas, dos brazos, un torso y una cabeza (excepto el robot de dos cabezas acertadamente llamado “Twin Cities”).
- Además de sus personalidades distintivas, cada robot posee un sonido específico que refleja su personalidad. Cada puñetazo de los robots, va acompañado de un sonido específico conforme al material de su esqueleto, sus mecanismos, su contextura y masa corporal; y además hay un sonido asociado al aura de cada robot, de manera que al encender un robot, éste emite un zumbido propio o un silbido o el rumor de un motor o el sonido de un ordenador.
- Evangeline Lilly (“Perdidos”), quien da vida a Bailey, nunca se imaginó que realizaría una película de boxeo, pero cuando leyó el conmovedor guión, quedó completamente fascinada.
- El pequeño oriundo de Toronto, Dakota Goyo, quedó seleccionado entre miles de niños de 10 años que se presentaron a una audición para el papel de Max, el hijo del personaje de Hugh Jackman, como parte de un casting internacional.
- El rodaje de las escenas de boxeo entre robots se realizó tanto con la tecnología de captura de movimiento (motion capture) como con robots que se construyeron en tamaño natural. Los elementos de captura de movimiento se interpretaron y rodaron meses antes en un escenario en la ciudad de Los Ángeles. Los boxeadores subieron al ring enfundados en trajes que permitían captar datos de sus movimientos mientras luchaban, estos luego eran transmitidos a robots avatares generados por computadora, que instantáneamente podían verse en los monitores del set. Luego, durante la fotografía principal, los realizadores dispusieron sus cámaras sobre un ring vacío y a través de las mismas podían ver los datos de captura de movimiento, permitiéndoles observar y enmarcar la pelea de los robots en el ring en tiempo real.
- Sugar Ray Leonard fue contratado por los realizadores para desempeñarse como consultor de boxeo de la película y entrenar a Hugh Jackman para su interpretación en el ring.
- La diseñadora de vestuario Marlene Stewart creó un guardarropa para el personaje de Hugh Jackman, Charlie, inspirado en los diseños de la década de 1960 que partían de ese estilo americano más rudo. Hasta sus lentes de sol son retro.
- En ACERO PURO los dos mundos del boxeo de robots están claramente demarcados. Por un lado se encuentra la liga oficial (la WRB), patrocinada por grandes compañías, donde se mueve mucho dinero, con competencias en sitios acreditados y estrictas reglas. Por el otro, se encuentra el circuito marginal, donde se compite en sitios no autorizados, sin reglas, sin restricciones… y donde los robots luchan hasta morir.
NOTAS DE PRODUCCIÓN
EL CORAJE ES MÁS FUERTE QUE EL ACERO
En la audaz y estremecedora película de acción de DreamWorks ACERO PURO, Hugh Jackman da vida a Charlie Kenton, un boxeador fracasado, en un futuro no muy lejano, que ha quedado relegado del mundo del boxeo desde que imponentes robots de dos metros y medio se apoderaran de la escena de ese deporte y comienzan a competir.
Convertido en un promotor de poca monta, Charlie sobrevive ensamblando robots de bajo costo, a los que apunta en peleas del circuito amateur. Finalmente, cuando esta situación toca fondo, y parece que las cosas ya no pueden empeorar ni complicarse aún más, Charlie se asocia con su casi desconocido hijo Max (Dakota Goyo) para construir un robot reducido a chatarra y entrenarlo hasta convertirlo en un auténtico campeón del boxeo. A medida que suben las apuestas en la brutal arena en la que todo vale, Charlie y Max, contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.
ACERO PURO es una historia de seres que necesitan triunfar en la vida, realizada en imponentes ámbitos cinematográficos y con una premisa única que ofrecerá a la audiencia varias sorpresas durante su desarrollo. El film combina lo mejor del gran espectáculo con una narración sentida y realista, con la que el público se identificará fácilmente.
El director de ACERO PURO, Shawn Levy, experimentó la historia como un cuento de redención de tres almas perdidas y olvidadas. “Los personajes centrales –un padre, su hijo y una máquina- son, cada uno a su modo, seres abandonados”, comenta. “Los tres han sido desechados y olvidados. La materia central del relato es cómo este trío encuentra la posibilidad de volver a tener una vida mejor”.
Don Murphy, Susan Montford y Shawn Levy son productores de ACERO PURO. Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey, Steven Spielberg, Mary McLaglen y Josh McLaglen son los productores ejecutivos. El guión pertenece a John Gatins, sobre una historia de Dan Gilroy y Jeremy Leven.
ACERO PURO se basa en parte del relato “Steel”, escrito por el legendario maestro de la ciencia ficción Richard Matheson, que fue adaptado para un episodio de la célebre serie “La dimensión desconocida” protagonizada por Lee Marvin en 1963. La prolífica carrera de Matheson abarca más de 50 años y muchas de sus populares novelas, entre ellas “Soy leyenda”, “Hell House”, “Pide al tiempo que vuelva” y “Más allá de los sueños”, han sido adaptadas y convertidas en largometrajes. Matheson ingresó al Hall de la Fama de la Ciencia Ficción en 2010.
El elenco de ACERO PURO se completa con Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand, Hope Davis y James Rebhorn.
LA PREMISA
Imaginemos un momento en el futuro cercano (año 2020) en el cual los seguidores del boxeo se han aburrido de ver a dos seres humanos peleando sobre un cuadrilátero. Es un tiempo en el que la necesidad social de ver violencia y crueldad es mayor de la que cualquier deportista mortal podría brindar –y afrontar-. Es un mundo en el cual el boxeo ha evolucionado y ya no son los hombres los que compiten entre sí; ahora los robots han reemplazado a los pugilistas. La habilidad y la gracia de los campeones es cosa del pasado. En su lugar, los fanáticos desean ver mega combates mortales y la completa destrucción de los oponentes.
La idea de los robots que boxean fue muy provocativa para el renombrado director Shawn Levy, quien es ampliamente conocido gracias a su exitosa saga de comedias Una noche en el museo y Una noche loca. Cuando DreamWorks le presentó el concepto de ACERO PURO, él se sintió atraído hacia el proyecto gracias a cómo le fue presentado por Steven Spielberg y Stacey Snider. “Me llamaron y me hablaron de algo que, al principio, me pareció una idea muy loca para hacer una película”, recuerda el director acerca de su sensación inicial. “Por supuesto, me sentí súper halagado por la convocatoria; no obstante tenía ciertos reparos acerca de la premisa. Luego leí el guión; lo que encontré fue una oportunidad de crear una emocionante película muy deportiva que trata sobre la relación entre un padre y un hijo, con mucho sentimiento. Eso fue vital para mí”.
“Estábamos entusiasmados de poder trabajar con Shawn”, comenta Stacey Snider, social principal, copresidente y CEO de DreamWorks Studios. “Y creemos que con esta película él ha sobrepasado el excelente trabajo que había hecho previamente, lo cual es mucho decir. ACERO PURO cambiará la forma de hacer las cosas”.
El productor ejecutivo Steven Spielberg concuerda y agrega su propia visión detallada: “Shawn creó una realidad. Esta película es, probablemente, la más realista que él haya hecho y creo que lo ha reinventado como cineasta. Tuve oportunidad de ver el film y luce maravilloso; las tomas son, a la vez, sutiles e imaginativas. Cuando terminó la película le dije: ‘Has hecho un montón de films geniales, pero creo que ésta es tu primera película”.
Shawn Levy creció no sólo siendo un fan del boxeo sino también siendo un ardiente admirador de films relacionados con ese deporte, como Toro salvaje y la clásica saga Rocky. “Aún las películas que no son tan grandiosas, son geniales, porque usualmente proponen a un héroe débil al que uno quiere apoyar, quiere verlo volver y que tenga su gran retorno triunfal”, comenta el director. ACERO PURO es absolutamente un tributo a esas películas de boxeo que vi con mis hermanos cerca de 50 veces”.
El director continúa su idea: “Creo que la gente responde bien al aspecto claro del ganador/perdedor que contiene la competencia de boxeo. Es muy simple y me parece interesante que el deporte se vea realzado por esa simpleza. Cuando surgen boxeadores brillantes, como Alí o Sugar Ray Leonard, algo eléctrico ocurre y no se repite en ningún otro deporte”.
Acerca de la cinematografía de ACERO PURO, Levy destaca que el film “definitivamente no es una pieza de arte sino una película con escala cinematográfica que excede todo lo que se ha hecho previamente. En esta historia, el boxeo entre robots es un gran deporte y un enorme espectáculo –cuenta- pero además de eso, el film en sí mismo es extremadamente amplio y cinematográfico, con amplias vistas y locaciones. Es una especie de viaje por carretera a través del paisaje típico estadounidense”.
El director no quería confiar simplemente en esas geniales locaciones o en los fantásticos robots para explorar las relaciones dentro de la trama. “Para mí, esta película no podía ser simplemente otro film grande y estrepitoso”, afirma. “Eso no hubiera sido original. El guión contenía un contenido emocional muy especial, por lo tanto la película tenía que ser un interesante híbrido entre la súper acción a gran escala y una historia sentida y sincera que, en última instancia, hablara de la redención”.
Quizás Steven Spielberg describe el núcleo emocional de la historia mejor que nadie al hablar de “un cuento del ‘regreso’ de dos chicos; uno tiene más de 40 años y el otro menos de 12. Es más, también hay otro ‘niño’ que ‘regresa’ a la vida y es Atom; para mí el ingrediente secreto de ACERO PURO”.
El personaje de Hugh Jackman, Charlie Kenton, fue en su juventud un boxeador de peso pesado pero se ha convertido en una suerte de reliquia. Levy explica: “Lo que es aún peor es que Charlie ahora debe ganarse la vida con esas mismas máquinas que le quitaron el trabajo. Por eso tiene una combinación de necesidad y resentimiento hacia los robots que intenta promover en las peleas”.
Cuando Charlie se reúne a regañadientes con Max, el hijo al que dejó de ver hace años, queda claro que lo único que ambos tienen en común en ese momento es el resentimiento mutuo. A pesar de ello, ambos comparten un mismo interés –el boxeo entre robots- y paso a paso, trabajosamente, comienzan a conectar. Al comienzo no es una relación muy profunda la que surge pero, cuando descubren un viejo robot abandonado en un depósito de chatarra, los dos inician un viaje de redescubrimiento.
El productor Don Murphy detalla: “Cuando vemos a Charlie por primera vez, él está en su peor momento; es un promotor de boxeo entre robots en un circuito de poca monta. Pero a través del curso de la película lo seguimos en su travesía -llena de altibajos- hacia su objetivo final, que es competir y ganar en la liga mundial de lucha entre robots, conocida como WRB”.
Con la especial combinación entre un ‘perdedor’ bueno para nada y un muchachito fuerte que conoce de memoria cada estadística de la WRB, Charlie tiene la posibilidad no sólo de triunfar sino también de redimir su vida.
Viniendo del mundo de los films de humor, Levy comenta que pese a haber creído que el ambiente en los sets de las comedias es sencillo y divertido y que, por el contrario, los sets de los dramas son serios e intensos, descubrió –felizmente- que estaba equivocado con esta creencia. “Descubrí que, en el fondo, en cualquier película que dirija lo más importante es sentir que amo este trabajo; amo estar allí cada día y la energía que eso genera. Siempre busco que mis sets sean un lugar donde la gente sepa que será tratada con respeto y valorada por su trabajo. Una parte de ello se logra dándole al equipo el plan de cada día, pero además dejando espacio para el descubrimiento y la improvisación. Hay muchas cosas en esta película que no estaban en el guión. He descubierto que, creando un ambiente tranquilo se generan muchas sorpresas positivas y llenas de ingenio”.
Como es admirado por su creatividad y amabilidad, a Levy le resulta sencillo atraer a algunos de los más talentosos artistas de la industria del cine. Tal como él dice: “Soy muy afortunado. Hago una película cada año, aproximadamente, y no podría mantener ese ritmo de no contar con un equipo de gente tan profesional y talentosa; desde Mauro Fiore (cinematógrafo), Tom Meyer (diseñador de producción), Marlene Stewart (diseñadora de vestuario) a los hermanos Josh y Mary McLaglen (productores ejecutivos) y, por supuesto, mi editor, Dean Zimmerman, quien es como un mago. Lo mismo ocurre con mi equipo de post producción. Ésta es nuestra quinta película juntos”.
La productora Susan Montford resume el sentir de los realizadores respecto de contar con Levy como director de ACERO PURO. “Estamos encantados con Shawn porque es tan buen líder. Realmente sabe cómo inspirar a su equipo y sus actores para que hagan absolutamente lo mejor. Todos llegan al plató y esperan hacer la mejor película; todos adoran lo que hacen y eso es un gran logro para un director”.
EL ELENCO
El director y su equipo de producción pasaron un buen tiempo hasta encontrar al actor perfecto para cada papel de ACERO PURO, y quedaron después fascinados al descubrir que todos ellos aportaron a sus personajes aún más de lo que se esperaba.
Al tope de la lista de Levy se encontraba Hugh Jackman, para interpretar el rol de Charlie Kenton. El productor ejecutivo Steven Spielberg apunta acerca de esa elección: “Sentí que el instinto de Shawn era el correcto cuando me planteó que quería a Hugh como Charlie. Pensé que se trataba de una brillante idea. De algún modo, eso fue un motor que puso a funcionar la película en sus primeras instancias”.
El valor del proyecto que instantáneamente atrajo a Hugh Jackman (X-Men Origins: Wolverine, The Prestige) hacia el rol de Charlie es una de las cosas que también interesaron al director y a DreamWorks. Jackman explica: “Lo que más amé en primer término acerca del guión es la relación entre el padre y el hijo, y la idea de que la gente que ha cometido errores, que tiene remordimientos, puede tener una segunda oportunidad y convertirse en una mejor persona”.
Jackman también estaba intrigado con el mundo en el cual transcurre la historia. “Adoré la idea de ambientarnos en un tiempo futuro pero no muy lejano. Es un futuro que se siente accesible a nosotros, hoy”, afirma el galardonado actor. “Además, soy un gran fanático del deporte, por lo tanto la idea de los robots boxeando me fascinó. Desde luego, es también una historia acerca de un perdedor, que debe ganar la batalla por conquistar a la persona que más quiere. Es, decididamente, una película amena. Para mí, fue algo distinto a todo lo que había hecho antes. También, trabajar con Shawn Levy fue de lo más sencillo. Él es una de las personas más optimistas, enérgicas y entretenidas con quien estar. El rodaje fue uno de los más desafiantes pero, a la vez, más disfrutables que he hecho en mi vida”.
Un escalón más arriba en la mutua admiración, el director afirma con entusiasmo: “Hugh Jackman es conocido como uno de los tipos más amables en la industria del entretenimiento. Puedo confirmar ese rumor. Es ridículo pero parecería que nadie le ha dicho que es tremendamente atractivo y una súper estrella de cine. Espero que podamos mantenerlo en secreto porque él es demasiado amable para ser alguien que reúne esas dos condiciones. Es uno de los mejores actores de la actualidad y le aporta a Charlie, que puede ser un tipo muy duro y firme, una subyacente condición de simpatía y encanto”.
Para el papel de Max, el hijo abandonado hace años por el personaje de Jackman, los realizadores hicieron audiciones con cientos de niños y se encontraron con muchos actores fantásticos. “Siempre tuvimos la sensación de que había un chico por allí que sería talentoso y que tendría la apariencia perfecta que queríamos, pero que además contaría con ese ‘algo’ extra; eso que no puede contarse con palabras y que crea magia en la pantalla”, cuenta Levy.
Los realizadores organizaron una serie de audiciones y, tal como Jackman relata, “Cuando Dakota apareció, Shawn y yo quedamos asombrados. Hay algo muy fuerte en él. Es como si la cámara pudiera enfocar directamente su alma. Él permite que eso ocurra, algo que para un chico pequeño es muy raro. Tiene una cualidad angelical en su rostro, es naturalmente muy extrovertido y genuinamente feliz. Es además muy dulce y respetuoso. Tanto en pantalla como fuera de ella, él es una persona realmente especial”.
Steven Spielberg también percibió en Dakota esa cualidad especial que él mismo busca cuando prueba distintos actores para sus films. “Cuando vi la prueba de cámara de Dakota, vi a un niño real. No estaba frente a un actor. Uno puede sentir perfectamente cuando alguien frente a la cámara es ‘real’ y eso es precisamente lo que yo busco, así esté probando actores adultos o pequeños”.
Dakota Goyo realizó cuatro audiciones para el papel de Max. Dos de ellas fueron filmadas y las otras dos fueron en persona, en Los Ángeles. Allí, tuvo la oportunidad de trabajar con Hugh Jackman. “No estaba nervioso con Hugh porque él es genial, una persona increíble”, dice Dakota. “Es tan amable y siempre está preparado para hacer su trabajo. Estoy muy entusiasmado de trabajar con él porque es realmente extraordinario”.
Para el rol de Bailey se eligió a la popular estrella de televisión Evangeline Lilly (de la serie “Lost”). El director admite que era un gran seguidor de la actriz y que quedó encantado cuando ella aceptó el papel. “Me maravillo con Evangeline”, se entusiasma Levy. “Estaba loco por ella en “Lost”; fui muy fanático de la serie. En ACERO PURO no sólo actúa fenomenalmente bien en las grandes escenas dramáticas que tiene con Dakota y con Hugh, sino también en las escenas donde hay una multitud de personas en una pelea. En esas tomas pequeñas y breves que hay de ella, dentro de las escenas de los combates, aporta una energía visceral y emocionante. Ella fue como una sustituta de la audiencia para nosotros. Está muy metida y empapada de la acción”.
Lilly se sintió atraída al rol de Bailey luego de leer el guión de ACERO PURO, que su agente le había enviado. “Quedé tan conmovida y sensibilizada; era tan sincero y estaba tan bien escrito, que quise interpretar este papel”, recuerda la actriz.
Además del gran guión, hubo otro factor que llamó la atención a Lilly hacia el proyecto: coprotagonizar el film junto con Hugh Jackman. “Hace tiempo, luego de ver una película llamada The Fountain, de Darren Aronofsky y protagonizada por Hugh, me dije que si alguna vez tuviese la oportunidad de trabajar con él, lo haría de inmediato. Su actuación es tan impresionante en esa película, tan magistral… Así que decidí sumarme a ACERO PURO, también en honor a que él estaba ya en el proyecto. El valor agregado fue que el guión era fantástico y que el director era Shawn Levy”.
Lilly conoció al director durante la audición para el papel y, apenas fueron presentados, la actriz supo que el rol era perfecto para ella. “Shawn es un hombre tan agradable”, afirma. “Siempre digo que es ‘burbujeante’ porque es feliz y energético, siempre con una actitud positiva. Creo que en esta industria es fácil caer en la trampa de tomarse a uno mismo muy en serio y convertirse así en alguien aburrido con quien trabajar. Pero Shawn no podría ser más sencillo o más creativo. Tiene un gran espíritu de colaboración también y es divertido”.
En la película, el personaje de Lilly, llamado Bailey, es la hija del antiguo entrenador de Charlie, cuando él era un joven boxeador. Los dos personajes conocen toda la vida uno del otro. Han estado enamorados cuando eran más jóvenes pero su atracción no sólo es física, está basada en el hecho de que se conocen profundamente. Ambos saben lo que motiva al otro. Bailey sabe que Charlie es mejor que todo el resto y aún hay una atracción poderosa entre ellos, que es el subtexto de la historia.
Después de ver The Hurt Locker, Shawn Levy supo que quería que Anthony Mackie leyera el guión de ACERO PURO para el papel de Finn, el anfitrión de The Crash Palace. Tal como Mackie recuerda: “Quedé fascinado por él. Nunca había leído algo así. El personaje de Finn es tan carismático… Hablé con Shawn y le dije que me entusiasmaba mucho interpretar ese papel”.
Para completar el elenco, los realizadores convocaron a la nominada a los premios Tony Hope Davis (God of Carnage) para el rol de Deborah, la tía de Max, quien desea obtener la custodia de su sobrino huérfano; y a James Rebhorn (“White Collar”, “30 Rock”) como Marvin Barnes, su millonario esposo, quien podría mantener al joven Max si la justicia les permite adoptarlo.
Kevin Durand, quien había trabajado previamente con Hugh Jackman en X-Men Origins: Wolverine y con Evangeline Lilly en “Lost” fue elegido para encarnar a Ricky, el promotor de lucha entre robots quien -pese a mantener una larga amistad con Charlie- no tiene reparos de pelear contra él para cobrarle una deuda.
La actriz rusa Olga Fonda, con una trayectoria fílmica relativamente nueva, fue elegida para interpretar a la propietaria rusa de robots, mientras que Karl Yune (Memoirs of a Geisha, Speed Racer) encarna a Tak Mashido, el más talentoso diseñador de robots y pionero del boxeo entre ellos.
“Hope Davis, Kevin Durand, James Rebhorn, Karl Yune, Olga Fonda y Anthony Mackie. Todos ellos son grandes actores”, asegura Shawn Levy. “Sus personajes podrán ser considerados como ‘de reparto’ pero cada una de estas fantásticas personas aportó vida, texturas y una profunda dimensión a lo que podrían haber sido unos personajes simples y comunes. Cada vez que aparecen en pantalla aportan algo inesperado y la película es mucho mejor porque ellos participan de ella”, concluye.
LOS ROBOTS
El productor ejecutivo Steven Spielberg tuvo mucho que ver en el diseño de los robots y le confió al director desde una etapa inicial que él no quería crearlos de forma digital, pese a que actualmente la tecnología como para hacerlo existe y estaba disponible. “En el mundo digital, el elenco actúa ante ‘la nada’. Cuando hay una representación física, por el contrario, el actor puede interactuar con ella, tocarla, mirarla a los ojos. Allí es cuando la actuación florece. Es bueno para los actores tener algo ‘real’ enfrente; algo tangible con lo cual interactuar en un espacio determinado. Ése fue el único consejo que le di a Shawn: si tienes la oportunidad, construye estos robots a escala real”.
Por su parte, Levy desarrolla: “Steven Spielberg me dijo que él hizo Jurassic Park hace mucho tiempo pero que la película era creíble porque construyeron dinosaurios ‘reales’ y animatronics; hay una credibilidad superior en la actuación que no se obtiene si los personajes son creados enteramente por computadora. En la primera reunión, Spielberg me adelantó que debíamos construir algunos de los robots. Entonces hicimos cuatro, a escala.
“Creo que fue un gran consejo”, continúa, “porque a causa de ello las actuaciones se sienten muy reales y son emotivas. Los actores interactuaron con robots reales”.
Los realizadores convocaron a un talentoso grupo de geniales artesanos de Legacy Effects para diseñar los robots. Ellos crearon una amplia gama de fascinantes pugilistas para ACERO PURO, todos ellos con diferentes apariencias y habilidades especiales.
En el film, los robots son operados por humanos, con controles remotos de alta tecnología y paneles de control, pero todos son personajes muy especiales. Tal como menciona la productora Susan Montford: “Prácticamente podríamos haber hecho una película por cada robot que tenemos aquí, porque todos tienen una personalidad muy desarrollada”. Don Murphy, también productor, agrega: “La clave está en crear personajes. Tienen que estar completamente desarrollados. Aunque claramente no son seres humanos, deben ser más cercano posible a esa condición para que la audiencia pueda sentir con y por ellos. Todos son personajes reconocibles e identificables”.
Con esto en mente, los realizadores quisieron que cada uno de los macizos autómatas tuviera una personalidad, estética y hasta una paleta de colores bien específica y diferente entre sí. El tamaño de los robots varía entre los 7,6 pies (unos 2.30 metros) y los 8,5 pies (2.50 metros) y son antropomórficos en el sentido de que tienen dos brazos, dos piernas, torso y cabeza (o en el caso de uno de ellos, dos cabezas). Pero son capaces de hacer cosas que los humanos no pueden. Fue un proceso creativo desafiante pero muy placentero entre los diseñadores de los robots y los realizadores del film, responsables entre ambas partes de lograr el perfecto elenco de personalidades robóticas.
El director Levy señala: “Deseo que el público sepa que, pese a que la premisa de la película es de ciencia ficción, estos robots no lo son. Son máquinas que, tal como nos gustaba imaginar, podrían haber sido construidas por los seres humanos. Además de su escala —no poseen la escala de los Transformers y no son indestructibles— les hemos conferido una fragilidad y una humanidad que nos recuerdan a antecedentes como Iron Giant y WALL•E”.
Tal como Levy quiso que los robots lucieran diferentes y originales entre sí, también deseó que cada uno de ellos tuviera una específica personalidad en cuanto a sus sonidos. Eso significó dos cosas: una, que cuando un robot pega un golpe, hay un sonido específico y propio de su material esquelético, sus mecanismos, su volumen y su masa. También hay un sonido aural, que implica que, por el sólo hecho de ser encendido, cada robot tiene un silbido, un zumbido, el ronroneo de un motor o el sonido de una computadora.
El diseñador de sonido, Craig Henighan, disfrutó de crear patrones que no existían en los archivos. Grabó su propio material, tal como los ruidos propios de un depósito de chatarra, de un choque de autos, del metal golpeando otros trozos de metal, etc. Con una variedad de registros, interpretó algunos de ellos hacia atrás, o ajustó el tono de otros.
Tal como apunta el director: “El sonido de cada robot fue hecho a medida e individualmente. Esto es algo que, probablemente, no le importará a nueve de cada diez espectadores. Sin embargo, yo creo que genera una rica variedad dentro de la película, que la hace original”.
Mientras que los otros robots boxeadores son súper brillantes y característicos, Atom, el héroe, es rescatado de una pila de chatarra y definitivamente muestra las marcas de su pasado: abolladuras, arañazos y más. Pero sus ojos azules que emiten luz brillan poderosamente, otorgándole una presencia que no puede ser omitida.
Atom posee una inusual función de ‘modo sombra’ que refleja cada movimiento que ve, así que, cuando Charlie boxea con él en esta función, Atom adopta los movimientos de la vieja escuela del box, trayendo un nivel de humanidad a su estilo con gracia y fineza, dos cualidades largamente olvidadas sobre el cuadrilátero.
Qué hace a Atom tan especial es una pregunta que los guionistas y realizadores pasaron mucho tiempo discutiendo. ¿Atom es simplemente una buena mezcla entre metal y programación, o tiene algo que se parece a la conciencia?
Levy agrega que en la etapa inicial de producción, el productor ejecutivo Robert Zemeckis sugirió que la duda para decidir si Atom tiene sentimientos o no sería una de las más difíciles de transitar. “Pero, si lo haces bien, puede ser una de esas cosas que hacen que una película tenga poesía”, apunta el director. “Allí es donde un film emociona al público”.
Para algunos miembros del elenco, la apariencia de los robots de tamaño real en el set fue una total sorpresa. Anthony Mackie recuerda: “Era mi primer día en el plató, estaba hablando con Shawn [Levy] y, por el rabillo del ojo, vi a este enorme e imponente robot. No esperaba ver eso… Fue sensacional. Después, el robot comenzó a mirar a su alrededor. Creo que me quedé allí pasmado, ¡esperando que comenzara a golpearme en cualquier momento! Allí me di cuenta de que estábamos haciendo un tipo de película muy diferente de lo que había imaginado. Fue una gran experiencia”.
EL BOXEO
Contemplando la coreografía de las luchas, Shawn Levy supo que quería que cada pelea fuese diferente y quería sacar ventaja del hecho de que los robots no son humanos. “Ellos no se cansan, no ralentizan su marcha”, dice. “Por lo tanto, las posibilidades eran muy amplias. Garrett Warren, quien coreografió los combates, se aseguró de que cada uno fuese distinta de los otros”.
“Un combate de liga se atiene a las reglas convencionales del boxeo, mientras que una lucha informal se asemeja más a las artes marciales combinadas”, explica Levy. “Hay movimientos de estrangulación, codos, rodillas; todo está permitido. Por lo tanto hay una variedad coreográfica que es muy entretenida. También hay una estructura narrativa en cada pelea. Alguien está a la cabeza pero todo cambia; hay un desarrollo que convierte a cada pelea en una historia dentro de la coreografía”.
La producción convocó a Sugar Ray Leonard –ampliamente considerado como uno de los mejores boxeadores de todos los tiempos, habiendo ganado títulos en cinco categorías diferentes- como consultor de boxeo del film y como entrenador de Hugh Jackman para sus múltiples apariciones sobre el cuadrilátero. Tal como explica el productor Don Murphy: “Una de las primeras cosas que hicimos para hacer la lucha entre robots no sólo realista sino también algo con lo cual el público pudiera conectarse fue convocar a Sugar Ray Leonard para que se sumara al equipo y trabajara en las coreografías de los combates. La idea fue que mostrara a los actores vestidos con los trajes de captura del movimiento cómo hacerlo y, además, que le indicara al director y a los dobles de riesgo cómo debían darse y mostrarse los golpes. Su conocimiento realmente aportó una gran similitud con los combates reales; no sólo son unos robots golpeándose entre ellos”.
Hugh Jackman rebosó de entusiasmo cuando Leonard se sumó al equipo, especialmente porque su padre fue un pugilista que combatió hasta que él tenía 20 años. “Creo que nunca lo vi más orgulloso en su vida a mi padre como cuando le conté que estaba haciendo esta película trabajando con Sugar Ray Leonard. Él es todo un caballero inglés, así que es muy reservado. Pero me dijo que, de toda la gente que había boxeado, Sugar Ray Leonard es un auténtico campeón. Ha habido otros, pero ninguno de ellos ha sido probablemente tan respetado como Sugar Ray. Y debo decir que, cuando conoces a este hombre, comprendes eso. Es tan generoso; tiene una efervescencia genial y optimista. Es también muy respetuoso con la gente.
“Parece prácticamente imposible creer que este hombre estuvo en la vorágine de un combate de boxeo”, continúa, “en algunas de las situaciones más duras y feroces que uno pueda imaginarse, porque es sencillamente tan gentil y amable. Sólo conocerlo hubiera sido fantástico, pero tener la posibilidad de ser entrenado por él es simplemente genial. Él inventó golpes que nadie había hecho antes. Tenerlo como maestro fue una de las mejores cosas que pueden ocurrirle a uno en la vida”, concluye el actor.
Curiosamente, a pesar de la naturaleza usualmente feroz de este deporte, los expertos coinciden en que el boxeo es un entrenamiento tanto físico como mental, en partes iguales. Leonard concuerda. “Si puedes meterte en la cabeza de tu oponente, llevas un round o dos de ventaja”, expone. “Es la estabilidad mental la responsable de llevarte al triunfo, en mayor medida. Yo veo este deporte como una forma de arte. Antes de cada combate yo coreografiaba una situación en mi cabeza, y nueve de cada diez veces la pelea resultaba tal como me la había imaginado”.
Leonard agrega que, para él, los boxeadores nacen, no se hacen. Sin embargo, pudo enseñar a Hugh Jackman para que luzca como uno de ellos con absoluta certeza. “He visto a Hugh en películas por muchos años y él tiene la intensidad perfecta y el cuerpo acertado para ser un boxeador. Fue un gran estudiante. Escuchaba todo muy bien, incorporaba todo lo que yo decía, lo digería y luego le daba vida”.
Pese a que Jackman había boxeado en la vida real, se interesó por aprender las sutilezas del deporte, de parte de uno de los más grandes de todos los tiempos. Así, aprendió la forma adecuada de protegerse, cómo tirar un gancho con la mano derecha y que cuando uno tira un golpe al cuerpo del oponente, la mano que queda libre debe permanecer arriba, como una forma de protección. “Hubo que hacer pequeños ajustes con Hugh, detalles aquí y allá”, dice Leonard. “Después de todo, él es un atleta con un estado increíble. Aprendió todo muy rápido”.
Quizás el elemento más importante que Leonard aportó al film es la autenticidad. En la película, Jackman se convierte en el entrenador de un robot boxeador, Atom, así que Leonard le enseñó a Hugh todo acerca de la conexión que existe entre el boxeador y quien lo asiste en el cuadrilátero y lo que implica ocupar ese lugar.
“Mi personaje en el film asiste desde la esquina del cuadrilátero”, explica Jackman. “No es el boxeador; es el dueño y quien controla a estos robots, actúa como el promotor, así que soy el tipo que está en la esquina del ring. Sugar Ray fue estricto conmigo; me dijo que pensaba que yo no entendía bien cuán importante es ese rol en el boxeo.
“Y, aún cuando los que están allí peleando son robots”, continúa, “lo que necesitas transmitir es que tú eres la roca, la fortaleza. Sugar Ray me contó que él solía contratar a Angelo Dundee para las últimas dos o tres semanas antes de una pelea, precisamente porque Angelo sabía exactamente cómo hablarle durante el combate. Para él, no hay nada peor que tener un asistente de esquina que no sabe cómo hablarte. Necesita saber cuándo levantarle la moral al boxeador, cuándo cerrar la boca, cuándo decir la palabra justa. La conexión entre el boxeador y su asistente de esquina no puede quebrarse jamás. Me enfoqué mucho en esa premisa para mi papel y fue genial”.
El director, Shawn Levy, agrega: “Podrá sonar un poco extraño hablar acerca de cómo Hugh se relaciona con el robot, pero Sugar Ray realmente influenció la forma en la que Hugh interpreta sus escenas en el rincón del ring. La manera en la que Leonard contribuyó a la película es a la vez muy directa y sutil; absolutamente valiosa”.
EL MUNDO DEL BOXEO ENTRE ROBOTS
En ACERO PURO, hay una demarcación muy clara entre dos mundos del boxeo de robots. Hay dos niveles de este deporte. Hay una liga, la WRB (por sus siglas en inglés), equivalente a NASCAR o a la NBA. Está patrocinada por corporaciones, hay mucho dinero incolucrado, sitios aprobados y reglas estrictas.
Y existe un polo opuesto, el descarnado submundo, que se desarrolla en locales sin regular, no tiene normas ni restricciones; los robots pelean hasta morir. Es bajo, sucio, no tiene límites.
La WRB está impulsada por enormes presupuestos y organiza espectáculos a estadios llenos, que culminan en el Campeonato Acero puro. La liga presenta a los robots más avanzados del mundo, todos construidos con la última tecnología y exclusivamente para los torneos globales.
LA WRB EL SUBMUNDO CLANDESTINO
elegantes arenas. viejas casas de lucha.
eventos globales para el entretenimiento. brutalidad sin sanciones.
reglas y regulaciones para el boxeo. combates sin límites.
cuadriláteros de alta performance. improvisados rings de lucha.
cuerdas de tejido de cable de acero. cadenas metálicas.
sofisticada cubierta de lucha. controladores a mano.
equipo de operadores, programadores y técnicos en el rincón. rudimentarios equipos de mecánicos engrasados.
En ACERO PURO, Charlie Kenton se abre paso en el peligroso submundo del boxeo clandestino con sus robots luchadores, peleando duro para que uno de ellos llegue a competir en la liga WRB, donde la fama y el dinero aguardan como recompensa.
Los ostentosos, fuertes y costosos robots de la liga tienen pedigrís que comprenden desde los ingenieros que los diseñaron hasta quiénes son sus dueños y entrenadores. Cada robot es diferente y único, tiene su propia personalidad, paleta de colores, gráficos, estilo de combate y rasgos. Una liga completa fue pensada para este film, con estadísticas completas para cada boxeador.
En el inicio de la película, nos encontramos en el futuro cercano (en el año 2020, para ser exactos) y la WRB lleva siete años de existencia, luego de un auspicioso comienzo en 2013 cuando organizó la primera lucha televisada de dos robots. El combate fue un rotundo éxito y, poco después, la WRB se constituía. Para 2014, las peleas clandestinas de robots estaban en marcha.
En 2016, los ‘súper robots’ dominaban la WRB y los combates entre ellos se habían convertido en un deporte internacional. Dos años más tarde, una nueva generación de robots irrumpieron en escena, entre ellos Zeus, el más grande y poderoso jamás construido. Él ha sido pensado para dominar e intimidar. Su único objetivo es desmantelar y aniquilar a sus oponentes. Zeus es el campeón mundial reinante.
La WRB es un mundillo de eventos pensados para la televisación, los patrocinios, el prestigio, el dinero, la fama que dan los medios de comunicación y la excitación generalizada. Es exactamente el mundo del cual el promotor Charlie Kenton quiere formar parte, y hará cualquier cosa para entrar en él.
MUESTRA DE ESTADÍSTICAS DE LOS BOXEADORES DE LIGA WRB
PESO
(libras) ALT.
(en pies) GOLPE
(veloc.) GOLPE
(fuerza) MOVIMIENTO TRIUNFOS ULTIMO
COMBATE CREADORES DUEÑOS
RECORD
ZEUS 1295 8’ 3 1/4” 42 MPH 21,328.16 LBS. NUKE FIST 12 nocauts de 12 ex campeones en noches consecutivas. 1er. Round
Nocaut de Axelrod en
Starblaze Arena.
27/6/20. TAK MASHIDO SERGEI y FARRA LEMKOVA
(RUSIA)
32-0-0
(32 nocauts)
TWIN CITIES 1210 8’0” 39 MPH 11,017.28 LBS. HYPNOTIC FURY 4to. round,
Nocaut técnico a Skirmish. 2ndo. Round
Vencido por Prism en
Panoramic Center de Nueva York. 9/5/20. LAKELAND CYBERCORP HAMMERFALL PARTNERS
(EE.UU.)
11-3-0
(7 nocauts)
NOISY BOY 1,120 8’ 5 1/2” 38
MPH 10,310.29
LBS. SHOGUN TRINITY
y
SOUTHPAW PAIN REVOLUTION 1er. Round, Nocaut por abandono en la lucha por el título. 3er. Round
Vencido por Rubicon en
Bing Arena
10/9/16. TAK MASHIDO EL GRUPO
GREGORY (JAPÓN)
15-1-0
(14 nocauts)
LA TECNOLOGÍA
El director Shawn Levy rinde honor a quien lo merece y señala que para la extraordinaria tecnología empleada en ACERO PURO, junto con su equipo encargado de los efectos especiales “tomaron prestadas numerosas páginas de la tecnología que James Cameron desarrolló para la película Avatar”.
El director además explica: “Este es un enfoque de la última generación de efectos visuales. En pocas palabras, en lugar de rodar en la forma tradicional, donde primero filmábamos un cuadro vacío y más tarde los animadores insertaban un robot generado por computadora; utilizamos la tecnología de captura de la interpretación (motion capture) con boxeadores reales luchando entre sí, que fueron coreografiados por Garrett Warren y Sugar Ray Leonard. Nosotros capturamos los datos de los movimientos de sus cuerpos, los digitalizamos, los guardamos y, meses más tarde, entramos en un set de acción real y montamos una toma. Esta tecnología permite, con esos datos programados de captura de movimiento y la llamada Simul-Cam B, incorporar los datos almacenados en un escenario de acción real.
“Tomamos la tecnología que fue literalmente inventada en Avatar pero haciendo algo un poquito diferente con ella. Avatar tomó las interpretaciones rodadas con la técnica de captura de movimiento y las insertó en un mundo virtual. Nosotros tomamos las interpretaciones obtenidas con captura del movimiento y las volvimos a insertar en el mundo real”.
Levy advierte que el proceso suena complicado y lo explica en términos más sencillos: “Es decir, los boxeadores suben al ring llevando trajes especiales que nos permiten captar datos. Al pelear, los datos de sus movimientos —sus movimientos generan datos— se transmiten en forma simultánea a un robot en la pantalla. Luego, entonces, podemos acudir a nuestro ring de acción en vivo, montar una cámara y la tecnología nos permite tomar el boxeador robot que creamos seis meses antes e integrarlo en ese ring en tiempo real, mientras lo ves en la cámara. Ésa es la Simul-Cam B”.
Para ilustrar mejor esta tecnología, Levy evoca su trabajo en algunos de sus films anteriores. “Lo que es genial es que, cuando hice la saga de Una noche en el museo, o cuando Hugh hizo Wolverine y X-Men, los actores necesitaban hacer sus escenas frente a nada. Había que desear que todo saliera bien. Mientras que, ahora, podemos alinear una toma con Hugh en cuadro y yo puedo ver los robots ahí también. Y Hugh puede ver a qué está reaccionando. Así que, francamente, esto quita toda la incertidumbre del medio”.
Con movimientos robóticos en lugar de humanos, la técnica de captura del movimiento debía ser ajustada. Levy explica: “No podíamos utilizar la captura de la interpretación pura. Si lo hacíamos, los robots se hubiesen movido de forma muy humana. Entonces, los retrasamos a una velocidad de 89 por ciento. Fue algo importante. La velocidad real humana no funciona para los robots. Simplemente quitar unos puntos de velocidad les dio una mejor apariencia. Además, como a veces Atom era demasiado perfecto, debimos agregar un poco de rigidez a sus articulaciones para darle peso y circunferencia”.
LA APARIENCIA
La apariencia del mundo de ACERO PURO es excepcional, en términos del diseño de producción. El encargado de dicha área, Tom Meyer (Orphan, Jonah Hex) imaginó el futuro cercano que se ve en el film bastante parecido a nuestro mundo de hoy, pero con un aspecto desgastado y una pátina añejada. El director llama a esta apariencia “retrofuturística”. “Es una representación de la iconografía estadounidense del pasado y del futuro que necesita existir para apoyar este deporte”, señala.
“No es el futuro como normalmente se lo presenta en las películas, el cual es –a falta de un término mejor- una especie de ‘gris metálico, vacío de color’. En nuestra película hay una paleta con muchos colores, muy saturada pero a la vez impregnada de una luz natural. Así, el mundo tiene una cierta condición de opacidad”.
El film se rodó en Michigan, mayormente en Detroit, y no se construyeron sets. Las locaciones del film fueron espacios abiertos preexistentes, estadios o instalaciones y viejas fábricas automotrices. Levy quería darle un aspecto descarnado a la película, con algunos breves contactos inesperados con imágenes más cálidas y hermosas. Con el aporte del laureado cinematógrafo de Avatar, Mauro Fiore, Levy logró exactamente la apariencia que deseaba. El director recuerda haberle dicho a Fiore: “Me encantó Avatar pero yo deseo algo más cercano a Training Day –en la cual también participó Fiore-”. Para Levy, la belleza estaba “en lo descarnado y no en la perfección; ése fue el mantra para la fotografía del film”.
Cada aspecto de la apariencia de ACERO PURO fluyó a partir de ese mandato visual: todo debía ser “retrofuturístico”. Así, la diseñadora de vestuario Marlene Stewart fue convocada para interpretar visualmente el poderoso guión y ayudar al director y a los actores a conseguir su propia visión de los personajes.
Stewart creó un guardarropa para Charlie, el personaje que encarna Hugh Jackman, inspirado en la apariencia resistente de los años 60. Aun sus gafas de sol son de una marca y modelo que no se fabrica hace 20 años.
Por otra parte, para el papel de Tak Mashido, el diseñador y propietario del robot Zeus, las ropas fueron muy modernas, prácticamente de alta costura, un detalle que permite percibir al personaje más ambientado en el mañana.
Diseñar para el ‘futuro cercano’ fue un desafío que Stewart aceptó con entusiasmo. “Cuando uno crea para un porvenir relativamente cercano es más difícil que cuando diseña para el pasado, por ejemplo en una película ‘de época’, o para el futuro literalmente, donde el aspecto visual está totalmente controlado”, explica la responsable del vestuario. “Para la apariencia de Charlie, me guié por esa cualidad clásica que tienen la mayoría de los hombres. Usé prendas inspiradas en los años 30, abrigos de la década del 60 y mezclé varias épocas. Pero no luce ‘viejo’; él simplemente luce prendas que son familiares para todos nosotros”.
Para las escenas de los combates en el clandestino Crash Palace, Stewart creó una mezcla de estilos entre descuidado y punk, y combinó los colores en patrones de modo tal que luzcan aún más extremistas. “Realmente sabes en qué punto de la historia estás, no tanto por dónde están Charlie y Max, sino por quién está en el contexto”, dice Stewart. “El entorno se convierte en un personaje que por momentos está en primer plano”.
En contraste con ello, cuando la acción pasa a los lugares de lucha aprobados por la liga, Stewart creó una paleta monocromática de apariencia racional y simple, de modo tal que no distraiga a la audiencia enfocándola en un determinado personaje sino más bien en toda la masa. “En las escenas anteriores, durante los combates clandestinos, la acción se concentra en esos personajes interesantes y sórdidos, que adentran al espectador en la trama”, cuenta. “Esos dos contrastes permiten al público tener una noción de cómo es este mundo del ‘futuro cercano’”.
Stewart explica que, en estas últimas escenas utilizó una paleta prácticamente blanca y negra, concediendo a los personajes interpretados por Olga Fonda y Karl Yune un aspecto que refleja su condición de ricos y poderosos. “Pertenecen a una clase mucho más alta que Charlie, que es una especie de personaje trabajador y abatido. Ellos representan el contraste más fuerte con el mundo al que Charlie pertenece”, detalla.
La vestuarista se ha convertido en parte del equipo de colaboradores más cercanos de Shawn Levy. Ambos trabajaron juntos en los films de la saga Una noche en el museo y en Date Night, y Stewart está feliz de haber formado esta alianza profesional con un director tan talentoso. “Una de las cosas más interesantes para remarcar acerca de Shawn”, dice, “es que es muy sensible y perceptivo; le presta atención a todo, desde la ropa hasta el peinado o el maquillaje y todo lo que tiene que ver con un personaje. En materia del diseño de vestuario, hablamos el mismo idioma. Es genial trabajar con alguien que entiende lo que ocurre en tu mundo creativo y siempre es una gran experiencia colaborar con él”.
LA EXPERIENCIA
El director Shawn Levy resume su experiencia al trabajar en ACERO PURO: “Hay algo muy satisfactorio para mí en ella, porque la película que se ve en la pantalla es la película que yo tenía en mi cabeza desde el inicio”, afirma. “Es el film que le presenté a Steven [Spielberg] y Stacey [Snider] la primera vez que me reuní con ellos. Hemos sido capaces de mantenernos fieles a ese instinto inicial.
“Espero que, cuando la audiencia se retire del cine, sienta que ha pasado un momento emocionante y emotivo viendo esta película. Espero que se entretengan; ojalá que haya risas y aplausos. Yo quise que el film sea visualmente espectacular y conmovedor a la vez. Espero que estos dos elementos lleguen a la audiencia”.
Hugh Jackman comenta: “ACERO PURO es muy entretenida. Hay mucha acción pero también hay tanta emoción en el núcleo de la trama que es fácil perderse e involucrarse con ese mundo. Creo que el espectador va a adorar a estos personajes; humanos y robots por igual”.
El productor Don Murphy añade: “Creo que ACERO PURO tiene algo para cada tipo de espectador. Para los hombres, hay boxeo; para las mujeres está Hugh Jackman, y el aspecto familiar está presente durante toda la película”.
Susan Montford, también productora, coincide plenamente. “Es una hermosa historia, un camino con el que podemos identificarnos y un gran espectáculo. Creo que tiene de todo. Será enormemente atractiva para el público”.
ACERO PURO llegará a los cines de América Latina a partir de octubre de 2011.
ACERCA DEL ELENCO
HUGH JACKMAN (Charlie Kenton) es nativo de Australia. Su primer gran papel en un film estadounidense fue como Wolverine en la primera entrega de la saga X-Men, un rol que repitió con enorme éxito en X2 y en X-Men: The Last Stand (2006). Más recientemente interpretó a Wolverine en X-Men Origins: Wolverine, precuela de la popular saga.
En el otoño boreal de 2009, Jackman regresó a Broadway en la obra de Keith Huff “A Steady Rain”. Coprotagonizada por Daniel Craig, la obra cuenta la historia de dos policías de Chicago que son grandes amigos, cuyas vidas cambian para siempre cuando cada uno de ellos cuenta un relato distinto de un día traumático.
El 22 de febrero de 2009, Jackman ocupó el prestigioso rol de anfitrión de la 81ra. edición de los premios Oscar®. En vivo desde el Teatro Kodak, en Los Ángeles (California), el actor deleitó a los presentes y a la audiencia, y contribuyó a mejorar el promedio de rating de la ceremonia en un 13 por ciento respecto de la del año anterior. No fue ésa, sin embargo, la primera incursión de Jackman en el complejo rol de anfitrión de una entrega de premios. Previamente había sido anfitrión de los premios Tony por tres años consecutivos (2003-2005), una performance por la cual recibió un Emmy en 2004 y una nominación al año siguiente.
A comienzos de 2008, Jackman participó en el film Deception junto con Ewan McGregor. La oscura historia explora el misterio de la desaparición de una mujer en coincidencia con un atraco multimillonario.
A fines de ese mismo año, el actor protagonizó la aventura romántica Australia, dirigida por Baz Luhrmann. En el film, ambientado en el norte de Australia en la época previa a la Segunda Guerra Mundial, Jackman encarna a un rudo arriero de ganado que asiste a una aristócrata inglesa (interpretada por Nicole Kidman) para guiar un rebaño de 2000 cabezas a través de cientos de millas de terreno inhóspito, en las cuales deberán enfrentar también el bombardeo de Darwin por parte del ejército japonés.
Jackman protagonizó The Fountain, dirigida por Darren Aronofsky; The Prestige, de Christopher Nolan; y Scoop, de Woody Allen. También puso su voz en los films animados Happy Feet y Flushed Away. Otras de las películas en las que tuvo roles protagónicos han sido Someone Like You, Swordfish, Van Helsing y Kate and Leopold, por la cual recibió una nominación a los Globos de Oro en 2002.
Por su interpretación del cantautor de los años 70 Peter Allen en “The Boy from Oz”, Jackman recibió un premio Tony al Mejor Actor en un Musical, además de un Drama Desk, Drama League, Outer Critics Circle y un galardón Theatre World.
Otros de sus anteriores créditos teatrales incluyen “Carousel” en el Carnegie Hall, “Oklahoma!” en el National Theatre de Londres (nominado a los premios Olivier), “Sunset Boulevard” (por la cual ganó un premio MO, el equivalente australiano del Tony) y “La Bella y la Bestia”, de Disney (también nominada a un MO).
La carrera profesional de Jackman comenzó en Australia, con los films independientes Paperback Hero y Erskineville Kings (por el cual ganó el premio Australian Film Critics’ Circle al Mejor Actor y una nominación en el mismo rubro para los galardones que entrega The Australian Film Institute). En 1999 fue nombrado como ‘La estrella australiana del año’ en la Convención de Cine de dicho país.
DAKOTA GOYO (Max Kenton) es oriundo de Toronto, Canadá. Desde una edad muy temprana, Dakota descubrió su pasión por la actuación y por interpretar distintos personajes frente a la cámara. Este amor, junto con su enorme ética profesional y su natural talento, le posibilitaron desarrollar una creciente carrera cinematográfica a sus 11 años.
Entre sus créditos en cine pueden citarse Resurrecting the Champ, junto con Josh Hartnett y Samuel L. Jackson; Emotional Arithmetic, con Susan Sarandon, y Defendor, con Woody Harrelson y Kat Denning.
Más recientemente, Dakota interpretó –junto con Anthony Hopkins- la versión joven de Thor, en el film homónimo, dirigido por Kenneth Branagh.
En la actualidad, Dakota trabaja en la voz de uno de los personajes de la película animada Rise of the Guardians, de DreamWorks, cuyo elenco vocal se completa con Jude Law, Chris Pine, Hugh Jackman, Isla Fisher y Alec Baldwin. La película llegará a los cines de EE.UU. en noviembre de 2012.
EVANGELINE LILLY (Bailey) fue descubierta en Kelowna, Columbia Británica, por un cazador de talentos de la agencia Ford. Seis meses después se mudó a Vancouver para asistir a la universidad y estudiar allí Relaciones Internacionales. Luego de aparecer en una serie de comerciales, decidió abandonar la actuación y dedicarse a sus estudios. Sin embargo, dos años más tarde, un amigo la incitó para que le diera una nueva oportunidad a su carrera actoral. Poco después consiguió un papel –interpretó a un cadáver- en uno de los episodios de “Stephen King’s Kingdom Hospital” y en el film The Long Weekend. Lilly también coprotagonizó junto con John Malkovich Afterwards, seleccionada en 2008 por el Festival de Cine de Toronto.
En enero de 2004, Lilly obtuvo su primer rol con diálogo en televisión: fue interpretando a Kate en la popular serie “Lost”, de ABC. Creada por J.J. Abrams, Damon Lindelof y Jeffrey Lieber, “Lost” ganó el Globo de Oro en 2006 a la Mejor Serie Dramática de Televisión y el premio Screen Actor’s Guild Award al Mejor Elenco en una Serie Dramática. Lilly fue nominada a los premios Teen Choice Awards en la categoría Mejor Actriz de Serie Dramática y recibió una nominación a los Globos de oro en 2007 en la misma categoría. Actualmente, la actriz se encuentra en Nueva Zelanda filmando El Hobbit, la precuela de la súper exitosa trilogía El señor de los anillos.
Lilly está profundamente dedicada a la filantropía, después de viajar y adquirir un mayor conocimiento de las diversas culturas alrededor del globo. Ha sido voluntaria de varios proyectos para niños desde sus 14 años y, durante sus primeros tiempos en la universidad, fundó y lideró un comité de desarrollo mundial y derechos humanos. Posteriormente, pasó tres semanas viviendo en una choza y trabajando en la jungla de Filipinas.
Lilly domina el francés; ama leer, escribir, pintar; le gusta estar en actividad, escuchar música, disfrutar de la naturaleza; aprender y viajar.
ANTHONY MACKIE (Finn) estudió actuación en Juilliard School of Drama. Luego de recibir entusiastas críticas por su interpretación de Tupac Shakur en la producción del circuito Off-Broadway “Up Agains the Wind”, Mackie realizó su debut cinematográfico encarnando a Papa Doc, némesis de Eminem en 8 Mile, de Curtis Hanson. Posteriormente, Spike Lee lo convocó para integrar el elenco de Sucker Free City, seleccionada por el Festival de Cine de Toronto, y She Hate Me. También participó de la laureada Million Dollar Baby, dirigida por Clint Eastwood, y en The Manchurian Candidate, de Jonathan Demme.
Mackie fue nominado a los premios IFP Spirit y Gotham por su actuación en Brother to Brother, de Rodney Evans, que ganó en 2004 el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Sundance y se llevó una estatuilla de los Independent Spirit Awards a la Mejor Ópera Prima. En 2005 participó de Heavens Fall, una película independiente basada en los históricos juicios de los llamados ‘Muchachos Scottsboro’, que se estrenó en 2006 en el Festival SXSW, en Austin, Texas.
En 2009, Mackie encarnó al sargento JT Sanborn en el film de Kathryn Bigelow The Hurt Locker, ganador del Oscar®, una actuación que le valió una nominación a los Independent Spirit Awards. Ese mismo año repitió su papel de Tupac Shakur en Notorious, el documental del sello Fox Searchlight basado en la vida del rapero Notorious B.I.G. También encarnó al Comandante William Bowman en Eagle Eye, de DreamWorks Studios.
El año último, Mackie regresó a los escenarios de Broadway para participar de la obra de Martin McDonough “A Beheading in Spokane”. También protagonizó junto con Kerry Washington el drama “Night Catches Us”. Más recientemente, integró el elenco de The Adjustment Bureau y será visto en el film Man on the Ledge, que se estrenará en EE.UU. en enero de 2012.
Mackie acaba de finalizar el rodaje de los films Ten Year y Abraham Lincoln: Vampire Hunter y está filmando actualmente un par de nuevos proyectos: el thriller psicológico Vipaka, con Forest Whitaker, y la muy esperada Gangster Squad, que también protagonizan Ryan Gosling y Sean Penn. Entre sus otros créditos cinematográficos pueden citarse We Are Marshall, Half Nelson, Crossover, Haven y Freedomland.
A lo largo de su carrera, el actor integró los elencos de varias puestas teatrales, tanto en Broadway como en el circuito independiente. Realizó su debut en Broadway encarnando al sobrino tartamudo, Sylvester, junto con Whoopi Goldberg en “Ma Rainey’s Black Bottom”, de August Wilson. Posteriormente protagonizó la versión moderna de “La gaviota”, el clásico de Antón Chéjov, creada por Regina King. También participó de “McReele”, de Stephen Belber, para Roundabout Theatre Company y de la obra ganadora del Pulitzer “A Soldier’s Play”. Más recientemente, el actor integró la producción de “August Wilson’s 20th Century”, realizada por Kennedy Center, en la cual –junto con otros 30 intérpretes- leyeron en escena 10 obras de Wilson.
KEVIN DURAND (Ricky) nació en Canadá y trabajó en teatro en Broadway, en cine y en televisión.
En 2009 fue nominado a un premio Saturn por su rol recurrente de Martin Keamy en la popular serie de televisión “Lost”. También participó asiduamente de la serie “Touching Evil” y de la exitosa “Dark Angel”, de James Cameron.
Se lo ha visto recientemente en el film SOY EL NÚMERO CUATRO. Previamente, apareció en Robin Hood encarnando al Pequeño John, junto con Russell Crowe y Cate Blanchett. Participó también en Legion, como el ángel Gabriel, y en X-Men Origins: Wolverine junto con Hugh Jackman y Liev Schreiber.
Otros de sus créditos en cine incluyen papeles en 3:10 to Yuma, de James Mangold, con Russell Crowe y Christian Bale; en Smokin’ Aces de Joe Carnahan, junto con Ben Affleck y Jeremy Piven; y en Wild Hogs, de Walt Becker, con John Travolta, Tim Allen y Martin Lawrence. También trabajó en The Butterfly Effect con Ashton Kutcher; en Mystery, Alaska de Jay Roach, con Russell Crowe; en Winged Creatures, con Forest Whitaker y Dakota Fanning; y en The Echo, de Vertigo Entertainment.
Antes de comenzar con su carrera en cine, Durand fue seleccionado en Canadá como uno de los mejores nuevos comediantes. Sumado a ello, interpretó el papel de Injun Joe en “The Adventures of Tom Sawyer” en Broadway.
Actualmente reside en Los Ángeles, California.
HOPE DAVIS (Deborah Barnes) coprotagonizó la película de HBO A Special Relationship, en la cual interpretó a la Primera Dama Hillary Rodham Clinton, junto con Dennis Quaid en el rol del Presidente Bill Clinton y Michael Sheen en el papel del Primer Ministro Tony Blair. El director Richard Loncraine –ganador del premio Emmy- dirigió el telefilm realizado a partir de un guión escrito por Peter Morgan. Por su interpretación, Davis fue nominada a los Emmy en el rubro Mejor Actriz Protagónica en una Miniserie o Película, y para los Globos de Oro en la categoría Mejor Actriz de Reparto en una Serie, Miniserie o Telefilm.
En teatro, Davis recientemente volvió a reunirse con sus compañeros de elenco de la obra “God of Carnage”, ganadora del premio Tony en 2009, para una temporada de funciones en el Ahmason Theatre de Los Ángeles. Durante la temporada de funciones en Broadway, Davis fue nominada al Tony como Mejor Interpretación de una Actriz Protagónica en Teatro por su actuación como Annette Raleigh, junto con James Gandolfini, Jeff Daniels y Marcia Gay Harden.
Davis fue más recientemente vista en televisión en la segunda temporada de la exitosa serie de HBO “In Treatment” en el rol de Mia, una exitosa abogada, por la cual recibió una nominación a los Emmy en la categoría Mejor Actriz de Reparto en una Serie Dramática.
Entre sus créditos cinematográficos más recientes se destacan Genova, de Michael Winterbottom; Synecdoche New York, de Charlie Kaufman y coprotagonizada por Philip Seymour Hoffman; The Hoax, dirigida por Lasse Hallström; The Nines, con Ryan Reynolds; Charlie Bartlett, con Robert Downey Jr. y Anton Yelchin; y Driving Lessons, junto con Dermot Mulroney. Davis también fue parte del elenco de la serie de ABC “Six Degrees” y de la miniserie de HBO “Mildred Pierce”, dirigida por Todd Haynes.
En 2003, Davis fue elegida como la Mejor Actriz por la Asociación de Críticos de Nueva York, por su trabajo en dos de los largometrajes independientes más celebrados de ese año: American Splendor, dirigido por Shari Springer Berman y Robert Pulcini –nominado a los Oscar®-; y The Secret Lives of Dentists, basado en la novela de Jane Smiley The Age of Grief.
Por American Splendor, Davis recibió una nominación a los Globos de Oro gracias a su interpretación de Joyce Brabner, la brillantemente inteligente, mordaz esposa y colaboradora de Harvey Pekar (interpretado por Paul Giamatti). El film fue seleccionado como la Mejor Película por la Asociación de Críticos de L.A. en 2003 y se llevó el Gran Premio del Jurado dentro de la Competencia Dramática en el Festival de Cine de Sundance, el premio Un Certain Regard en Cannes y el Gran Premio del Jurado en el Festival Just for Laughs de Montreal. Por su actuación en The Age of Grief, con Campbell Scott como coprotagonista, fue nominada a los Independent Spirit Awards.
Adicionalmente, Davis capturó la atención de la crítica por su trabajo en un trío de éxitos independientes: The Daytrippers, de Greg Mottola; The Myth of Fingerprints, de Bart Freundlich; y Next Stop Wonderland, de Brad Anderson.
Entre sus créditos en cine también se destacan Infamous, The Matador, The Weatherman, Proof, Hearts in Atlantis, Final, Joe Gould’s Secret, Arlington Road, Mumford y About Schmidt, que ganó en 2002 el premio a la Mejor Película que entrega la Asociación de Críticos de Los Ángeles.
Sumado a “Camino Real” en el Williamstown Theatre Festival, entre sus créditos en teatro figuran las producciones en el Lincoln Center de “Spinning to Butter”, de Rebecca Gilman; “Two Shakesperean Actors” e “Ivanov”, junto con Kevin Kline. Davis también ha trabajado en numerosas puestas del circuito Off-Broadway, entre ellas “Pterodactyls”, “The Food Chain”, “The Iceman Cometh” y “Speed the Plow” de David Mamet, dirigida por Joel Schumacher. Davis participó también en “Hope Leaves the Theatre”, escrita por Charlie Kaufman y cuyo elenco incluyó también a Meryl Streep y Peter Dinklage. La obra fue parte del proyecto sonoro “Theatre of the New Ear” (teatro del nuevo oído) de Sirius Radio.
Davis reside en la ciudad de Nueva York.
JAMES REBHORN (Marvin Barnes) posee una impactante lista de créditos que reúne títulos tanto de comedia como dramáticos. Sus muchas apariciones en cine incluyen papeles en How to Eat Fried Worms, Bernard and Doris, The Last Shot, Far From Heaven, Meet the Parents, The Talented Mr. Ripley, The Adventures of Rocky and Bullwinkle, Snow Falling On Cedars, The Game, Independence Day, If Lucy Fell, White Squall, Up Close and Personal, I Love Trouble, My Fellow Americans, Guarding Tess, Carlito’s Way, Scent of a Woman, Lorenzo’s Oil, Blank Check, 8 Seconds, My Cousin Vinny, White Sands, Regarding Henry, Basic Instinct, Silkwood y Baby Mama.
Nacido en Filadelfia, Rebhorn se graduó en Artes en la Universidad Wittenberg y tiene un Máster en Bellas Artes de la Universidad de Columbia. En Broadway, actuó en las puestas “Prelude to a Kiss”, “Dinner at Eight”, “The Man Who Had All the Luck”, “I’m Not Rappaport”, la nueva versión de “Our Town” –ganadora del premio Tony- y la versión moderna de “Twelve Angry Men”.
Ha interpretado a Harvey en “Ancestral Voices” y al Capitán Anderson en “Far East”, ambas en el Lincoln Center, y más recientemente se lo ha visto en el papel de Woolsey en “The Overwhelming” en The Roundabout Theatre. También participó de numerosas producciones de Off-Broadway en The Manhattan Theatre Club, The New York Shakespeare Festival y The Ensemble Studio Theatre, entre muchas otras. Rebhorn recibió un premio Dramalogue por su actuación en la producción de “Nebraska” para The La Jolla Playhouse.
En TV, ha encarnado roles protagónicos en una amplia variedad de series y películas, entre ellas “Comanche Moon”, “The Book of Daniel”, “Third Watch”, “Seinfeld”, “Law and Order”, “Bright Shining Lie”, “Mistrial”, “Guiding Light”, “I'll Fly Away”, “Sarah, Plain and Tall”, “Kate and Allie” y en la miniserie de HBO creada y producida por Tom Hank “From the Earth to the Moon.”
KARL YUNE (Tak Mashido) posee descendencia asiática (coreano/mongol/japonés) pero nació y se crió en Washington D.C. Luego de terminar la escuela secundaria, Yune inició y vendió con éxito un emprendimiento en internet y fue aceptado por la Universidad Columbia para seguir la carrera de Negocios. Mientras estudiaba la obra de Shakespeare en un curso de Literatura decidió cambiar su carrera a Artes. Todavía como estudiante en Columbia, Yune ganó el papel de Romeo en una producción Off-Broadway de “Romeo y Julieta”.
Así, continuó trabajando como actor de teatro en la ciudad de Nueva York y recibió elogios de la crítica por su actuación como Gloucester en una adaptación contemporánea de “Ricardo III”, el clásico de Shakespeare. Durante las audiciones para seleccionar el elenco de The Last Samurai, el director Edward Zwick quedó impresionado con Yune y lo convocó a Los Ángeles para una reunión. Zwick informó posteriormente a Yune que el estudio debía seleccionar el reparto del film directamente en Japón, pero lo alentó a mudarse a Los Ángeles, puesto que detectó un gran talento en el joven actor.
Entusiasmado, Yune se mudó a California. Apenas llegó allí, recibió la noticia de que había sido seleccionado para trabajar en el popular programa dramático de TV “All My Children”, en Nueva York. Yune rechazó la oferta pero rápidamente logró su primer protagónico en el film de culto Anacondas: The Hunt for the Blood Orchid. Al año siguiente fue elegido por el productor Steven Spielberg para interpretar a Koichi, el amante secreto de la geisha Hatsumomo en Memoirs of a Geisha, la película basada en la novela de fama internacional.
Yune continúa trabajando en papeles protagónicos y de reparto en películas independientes, extranjeras y realizadas en Hollywood. Vive en Santa Mónica, California, y está feliz con su papel más emotivo: ser padre de una niñita recién nacida. Su hermano, Rick, también es un exitoso actor de Hollywood.
OLGA FONDA (propietaria rusa de un robot) nació en el norte de Rusia y se mudó a EE.UU. para asistir a la escuela secundaria, en 1996, cuando tenía 14 años de edad. Luego de graduarse, recibió una beca completa de la Universidad de Maine, donde completó sus estudios en Negocios. Luego se mudó a Los Ángeles y pronto comenzó a modelar. Posteriormente fue seleccionada para integrar el elenco de Love Hurts, de Barra Grant, y allí fue cuando decidió seguir una carrera profesional en el mundo de la actuación.
Otros de sus créditos cinematográficos incluyen Little Fockers; Crazy, Stupid, Love, con Emma Stone, Ryan Gosling, Kevin Bacon, Julianne Moore, Marisa Tomei y Steve Carell. También en The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1.
En televisión, Fonda participó en las series “How I Met Your Mother”, “Nip/Tuck”, “Melrose Place”, “Ugly Betty” y en el final de la temporada seis de “Entourage”.
Actualmente reside en Los Ángeles.
ACERCA DE LOS REALIZADORES
SHAWN LEVY (director/productor) es uno de los directores comerciales más exitosos de la pasada década. Hasta el momento, sus películas han recaudado 1.6 mil millones de dólares a nivel mundial. Su entusiasmo y enfoque juvenil es evidente en las tramas y los personajes que crea y refleja con alegre intensidad en cada proyecto que aborda.
En 2010, Levy estrenó Date Night, un film que dirigió y produjo. La película presentó un elenco estelar que incluyó a Steve Carell, Tina Fey, James Franco, Mark Wahlberg, Kristin Wiig, Mark Ruffalo y Leighton Meester. El film funcionó muy bien para el público y recaudó más de 150 millones de dólares a nivel internacional. La productora de Levy, 21 Laps, también produjo la comedia What Happens in Vegas, protagonizada por Cameron Diaz y Ashton Kutcher, que recaudó más de 200 millones de dólares.
Levy produjo y dirigió la exitosa franquicia Una noche en el museo, protagonizada por Ben Stiller, Robin Williams, Owen Wilson, Ricky Gervais, Hank Azaria, Amy Adams, Christopher Guest, Jonah Hill, Dick Van Dyke y Mickey Rooney. Hasta la fecha, el éxito global de esta saga ha recaudado más de mil millones de dólares en taquilla a nivel mundial.
Previamente, Levy dirigió la comedia de 2006 La pantera rosa, con Steve Martin, Kevin Kline, Beyoncé Knowles y Jean Reno. También dirigió la exitosa Cheaper By the Dozen, protagonizada por Steve Martin, Bonnie Hunt, Ashton Kutcher y Hilary Duff, que recaudó más de 200 millones en todo el mundo.
Además de sus trabajos como director, Levy está produciendo la comedia Neighborhood Watch, que protagonizarán Ben Stiller y Vince Vaugh. Su compañía productora, 21 Laps/Adelstein, está produciendo la serie de ABC “Last Days of Man”, con Tim Allen. También está desarrollando varios otros films, todos en etapa de producción: The Ten Best Days of My Life (con Amy Adams), The Devil You Know, The Pleasure of My Company, The Fight Before Christmas, Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day, How To Talk to Girls, Kodachrome, Deadliest Warrior, Home Movies, The Berenstain Bears, The Spectacular Now y Table 19.
Levy se graduó en el departamento de Teatro de la Universidad de Yale a los 20 años de edad. Posteriormente estudió Cine en la Universidad del Sur de California (USC), donde produjo y dirigió el cortometraje Broken Record, que ganó el premio Golden Plaque en el Festival de Cine de Chicago y fue seleccionada para proyectarse en el Director’s Guild of America (gremio de directores de EE.UU.).
JOHN GATINS (guionista) nació en Nueva York, donde su padre era un oficial de policía. Su familia se mudó al valle del Hudson, cerca de Poughkeepsie, donde Gatins creció y concurrió posteriormente al Vassar College, del cual se graduó en 1990 con un título en Teatro.
Años más tarde, Gatins se mudó a Los Ángeles, donde escribió el guión de Summer Catch, dirigida por Michael Tollin. Su segundo guión, Hard Ball, fue también dirigido por Tollin y protagonizado por Keanu Reeves y Diane Lane. Él creó y fue productor ejecutivo del piloto “Learning Curve” y coescribió el drama deportivo Coach Carter, que protagonizó Samuel L. Jackson. Gatins debutó como director con un guión propio: Dreamer: Inspired by a True Story, protagonizado por Dakota Fanning y Kurt Russell.
También fue productor ejecutivo de la comedia de Brian Robbins Ready to Rumble. Sumado a todo ello, Gatins es también actor.
DAN GILROY (historia) se graduó en Dartmouth College. Su carrera profesional en Hollywood abarca la creación de guiones, la actuación y producción de distintos proyectos. Entre sus créditos cinematográficos más prominentes pueden citarse The Fall, Two for the Money, Chasers y Freejack.
También escribió el guión para la muy esperada The Bourne Legacy, actualmente en proceso de producción, que será protagonizada por Jeremy Renner, Edward Norton y Rachel Weisz. Como productor ejecutivo, se destaca su trabajo en Two for the Money.
Gilroy proviene de una familia creativa y abocada al arte, integrada por su padre, Frank, ganador de un premio Pulitzer (“The Subject Was Roses”) y un laureado hermano editor, John Gilroy (Miracle, Michael Clayton, Salt, Warrior).
Nativo de California, vive en Santa Mónica con su esposa, la actriz Rene Russo, y la hija de ambos.
JEREMY LEVEN (historia) escribió y dirigió recientemente la comedia Girl on a Bicycle, para Warner Brothers International. El film se estrenará en 2012.
Entre sus más notables créditos como guionista pueden mencionarse el drama My Sister’s Keeper, dirigido por Nick Cassavetes y protagonizado por Cameron Diaz, Sofia Vassilieva, Alec Baldwin y Jason Patric; The Time Traveler’s Wife, con Eric Bana y Rachel McAdams; The Notebook, adaptación de la novela escrita por Nicholas Sparks y protagonizada por Ryan Gosling y Rachel McAdams; y The Legend of Bagger Vance, dirigida por Robert Redford y protagonizada por Will Smith, Matt Damon y Charlize Theron. Sumado a ello, Leven escribió el guión (junto con Bob y Harvey Weinstein) de la comedia Playing for Keeps, también dirigida por los hermanos Weinstein.
Leven es también novelista y ha adaptado dos de sus libros a la pantalla grande: “Satan: His Psychotherapy and Cure by the Unfortunate Dr. Kassler, J.S.P.S.” (que se convirtió en Crazy as Hell y fue dirigida por Eriq La Salle y protagonizada por Michael Beach, Ronny Cox y Sinbad) y “Creator”, cuyo elenco incluyó a Peter O’Toole y Mariel Hemingway.
Leven escribió y dirigió Don Juan de Marco, uno de los éxitos de Johnny Depp, cuyo elenco también incluyó a Marlon Brando y Faye Dunaway. Además, escribió y produjo la comedia de Rob Reiner Alex & Emma, protagonizada por Luke Wilson y Kate Hudson.
DON MURPHY (productor) nació en Hicksville, Nueva York. Se graduó en la Escuela de Negocios de la Universidad de Georgetown, en Washington D.C., pese a que la mayor parte de su tiempo en D.C. transcurría en los cines Biograph Theatre, Circle Theatre y en el American Film Institute, donde proyectaban la filmografía completa de Stanley Kubrick y Roman Polanski. Su padre lo ayudó a conseguir un empleo como redactor publicitario durante los veranos en la ahora inexistente Diener Hauser Bates, una agencia publicitaria que representaba a más del 70 por ciento de los estudios de cine. Estando allí, Murphy trabajó en las campañas para películas como Blow-Up, Under the Rainbow y Ragtime.
Al terminar sus estudios, fue aceptado en la prestigiosa escuela de cine de la Universidad del Sur de California (USC). Allí conoció a muchos de los que después fueron directores y grandes amigos, como Bryan Singer, Michael Davis, Gary Fleder, Scott Rosenberg, Jay Roach, John Turteltaub, Dan Walters y Larry Karazewski. Poco después de completar el programa de estudios allí, se asoció con su compañera Jane Hamsher para producir largometrajes. Murphy conocía a Quentin Tarantino de una tienda de alquiler de videos que había en la zona y esto lo llevó a concretar su primera alianza con el ahora reconocido director: Natural Born Killers. A ella le siguieron dos más: Permanent Midnight y Apt Pupil.
Poco después, produjo From Hell, The League of Extraordinary Gentlemen y Bully. En 1998, Murphy fundó Angryfilms con su socia Susan Montford y realizaron la exitosa trilogía Transformers y Shoot ‘Em Up.
Angryfilms está trabajando actualmente en varios proyectos, tanto para cine como para televisión.
SUSAN MONTFORD (productora) creció en Glasgow, Escocia, donde se graduó en Artes. Comenzó a trabajar utilizando y fusionando diferentes técnicas y disciplinas (escultura, fotografía, video) y exhibió su trabajo regularmente en las galerías Transmission Gallery, Street Level Photography y Women in Profile.
Apasionada desde su infancia por el cine, Montford ganó varias becas de instituciones vinculadas con el séptimo arte y así dirigió y produjo dos cortometrajes, Strangers y Hairpin, que se proyectaron en diversos festivales internacionales.
Posteriormente se mudó a Los Ángeles, donde se enfocó en la escritura de guiones, la dirección y la producción para cine. Sumado a ACERO PURO, ha producido Shoot ‘Em Up, protagonizada por Clive Owen; y Splice, con Adrien Brody. También escribió y dirigió While She Was Out, con Kim Basinger, y se encuentra trabajando en la producción de numerosos largometrajes, entre ellos At the Mountains of Madness, con Guillermo del Toro, y Gala Dalí, con Roger Avary.
Montford también está terminando de escribir un piloto para televisión y su segundo largometraje.
JACK RAPKE (productor ejecutivo) se graduó en la escuela de Cine de la Universidad de Nueva York (NYU) en 1975. Posteriormente, se mudó a Los Ángeles para embarcarse en una carrera profesional en la industria del entretenimiento. Su primera parada fue en el centro de correspondencia de la agencia William Morris. Cuatro años después, Rapke se unió a la agencia Creative Artists Agency (CAA), donde creció en el curso de los siguientes 17 años hasta convertirse en uno de los más exitosos agentes en Hollywood.
Durante un período de siete años como copresidente del departamento de cine de CAA, Rapke cultivó una lista de clientes de alto perfil, que incluye a Jerry Bruckheimer, Ridley Scott, Michael Mann, Harold Ramis, Michael Bay, Terry Gilliam, Bob Gale, Bo Goldman, Steve Kloves, Howard Franklin, Scott Frank, Robert Kamen, John Hughes, Joel Schumacher, Marty Brest, Chris Columbus, Ezra Sacks y los socios de Imagine Entertainment, Ron Howard y Brian Grazer.
Figura clave en la creación de compañías productoras para sus clientes, sólo era una cuestión de tiempo hasta que se decidiera a fundar la propia, junto con Robert Zemeckis.
En 1998, Rapke dejó CAA para crear ImageMovers con Zemeckis y el socio productor Steve Starkey. Enfocados primordialmente en largometrajes para cine, el primer trabajo de la compañía fue la elogiada Cast Away, dirigida por Zemeckis y protagonizada por Tom Hanks. Rapke y sus socios siguieron adelante produciendo numerosos éxitos, como el film de suspenso dirigido por Zemeckis What Lies Beneath, protagonizado por Harrison Ford y Michelle Pfeiffer; Matchstick Men, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Nicolas Cage; The Prize Winner of Defiance, Ohio, con Julianne Moore y Woody Harrelson, y Last Holiday, protagonizada por Queen Latifah.
La pionera The Polar Express (2004), realizada por Zemeckis con tecnología de captura de la interpretación, dio origen a una nueva forma de realizar cine en 3D: Rapke y sus socios produjeron cuatro films más con esta técnica revolucionaria: la nominada al Oscar® Monster House (2006); Beowulf (2007), dirigida por Zemeckis y protagonizada por Anthony Hopkins, Angelina Jolie, Ray Winstone y Robin Right; el film de Disney LOS FANTASMAS DE SCROOGE (2009), también dirigida por Zemeckis y estelarizada por Jim Carrey; y MARTE NECESITA MAMÁS.
Adicionalmente a ACERO PURO, los socios produjeron la serie “The Borgias”, protagonizada por Jeremy Irons y emitida en EE.UU. por el canal Showtime.
ROBERT ZEMECKIS (productor ejecutivo) ganó un premio Oscar®, un Globo de Oro y un premio Directors Guild of America al Mejor Director por el gran éxito Forrest Gump. Entre los numerosos honores que esta obra recibió también se cuentan dos Oscar®s; uno al Mejor Actor, para Tom Hanks, y otro a la Mejor Película. Zemeckis volvió a unir fuerzas con Hanks en el drama contemporáneo Cast Away, cuya filmación se dividió en dos partes mientras finalizaba la producción de What Lies Beneath. Zemeckis y Hanks fueron ambos productores de Cast Away, junto con Steve Starkey y Jack Rapke.
Antes de eso, Zemeckis escribió (junto con Bob Gale) y dirigió Back to the Future (Volver al futuro), que fue el film de mayor recaudación en Estados Unidos en 1985 y que le valió nominaciones a los premios Oscar® y a los Globos de Oro de ese año, en la categoría Mejor Guión Original. Más tarde estuvo al frente de Back to the Future II y Back to the Future III, que completaron una de las más exitosas sagas cinematográficas de todos los tiempos.
Sumado a ello, dirigió y produjo Contact, con Jodie Foster, basada en el best-seller homónimo de Carl Sagan, y la célebre comedia negra Death Becomes Her, protagonizada por Meryl Streep, Goldie Hawn y Bruce Willis. Asimismo escribió y dirigió la taquillera Who Framed Roger Rabbit, mezclando ingeniosamente acción real con animación; dirigió la aventura romántica Romancing the Stone con Michael Douglas y Kathleen Turner, y dirigió y escribió (junto con Bon Gale) las comedias Used Cars y I Wanna Hold Your Hand.
También produjo House on Haunted Hill y fue productor ejecutivo de The Frighteners, The Public Eye y Trespass, la cual también escribió junto con Bob Gale. Ambos habían ya escrito 1914, que dio origen a la asociación de Zemeckis con Steven Spielberg.
Para la TV, Robert Zemeckis ha dirigido varios proyectos, como el documental de Showtime The Pursuit of Happiness, que investigó los efectos de las drogas y el alcohol en la sociedad del siglo XX. Además, dirigió varios episodios de “Amazing Stories”, de Spielberg, y de “Tales from the Crypt” de la cadena HBO.
En 1998, Zemeckis, Steve Starkey y Jack Rapke se asociaron para crear la compañía productora para films y TV llamada ImageMovers. What Lies Beneath fue el primer film lanzado bajo esa marca, seguido de Cast Away, que se estrenó con un enorme éxito entre el público y la crítica en el otoño boreal de 2000, y Matchstick Men.
En marzo de 2001, la facultad de Cine y TV de la Universidad del Sur de California (USC School of Cinema-Television) inauguró el Centro Robert Zemeckis de Artes Digitales. Este centro con tecnología de punta es el único establecimiento de estudio en Estados Unidos totalmente digitalizado, y está provisto del más nuevo equipamiento para producción y post-producción, escenarios, un microcine para 50 personas y un canal de TV interno llamado Trojan Vision, operado por los alumnos de la universidad.
En 2004 produjo y dirigió el film The Polar Express, realizado con tecnología de captura de la interpretación y protagonizado por Tom Hanks. Más recientemente, Zemeckis llevó a la pantalla gigante la historia real The Prize Winner of Defiance, Ohio, protagonizada por Julianne Moore y Woody Harrelson. También fue productor ejecutivo de Monster House y de la comedia de Queen Latifah Last Holiday.
El realizador produjo y dirigió su segundo film con tecnología de captura de la interpretación, Beowulf, también producido por Rapke y Starkey. El elenco incluyó a Anthony Hopkins, Angelina Jolie y Ray Winstone, y la historia está basada en una de las piezas supervivientes más antiguas de la literatura anglosajona, escrita alrededor del siglo X antes de Cristo.
Afinales de 2009, Zemeckis estrenó su film con tecnología de captura de la interpretación más avanzado hasta la fecha: LOS FANTASMAS DE SCROOGE, basado en la popular novela clásica de Charles Dickens “A Christmas Carol”. Rapke y Starkey también produjeron la película.
STEVE STARKEY (productor ejecutivo) recibió un premio Oscar® como uno de los productores del film Forrest Gump, ganador de dicho galardón a la Mejor Película. La historia, dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Tom Hanks, se convirtió en uno de los films más taquilleros de todos los tiempos y recibió seis Oscar®s, incluyendo los de Mejor Director y Mejor Actor, así como también nominaciones para los Golden Globe, el mayor honor del National Board of Review (en 1994), dos People’s Choice Awards, un Producers Guild Golden Award y una nominación a los BAFTA en la categoría de Mejor Película.
Starkey también fue un pionero de la tecnología de captura de la interpretación, que se utilizó para los films dirigidos por Zemeckis LOS FANTASMAS DE SCROOGE, EL EXPRESO POLAR y Beowulf, y en la película dirigida por Gil Kenan Monster House, todas ellas producidas por Starkey junto con sus socios de ImageMovers.
Entre sus créditos de ImageMovers figuran el drama épico dirigido por Zemeckis Cast Away, con Tom Hanks como figura estelar; y el thriller psicológico What Lies Beneath, con Harrison Ford y Michelle Pfeiffer, también dirigido por Zemeckis. Starkey produjo The Prize Winner of Defiance, Ohio, dirigida por Jane Anderson e interpretada por Julianne Moore. También produjo Matchstick Men, dirigida por Ridley Scott y estelarizada por Nicolas Cage.
La unión profesional de Starkey con Zemeckis comenzó en 1986, como productor asociado del innovador Who Framed Roger Rabbit? y continuó con la segunda y tercera entrega de la saga Back to the Future (Volver al futuro). Las colaboraciones continuaron en la comedia negra Death Becomes Her, seguida de Forrest Gump y Contact. Starkey también coprodujo la comedia Noises Off y el documental del canal Showtime The 20th Century: The Pursuit of Happiness, que exploraba las adicciones al alcohol y las drogas, bajo la dirección y producción ejecutiva de Robert Zemeckis.
En la etapa inicial de su carrera, Starkey trabajó con George Lucas en Lucasfilm Ltd., donde fue editor asistente de The Empire Strikes Back y de Return of the Jedi. Posteriormente editó documentales para Amblin Entertainment (compañía de Steven Spielberg), fue productor asociado de Spielberg en la serie de TV Amazing Stories y productor ejecutivo de las series de CBS Johnny Bago.
STEVEN SPIELBERG (productor ejecutivo), uno de los más exitosos e influyentes cineastas, es socio principal de DremWorks Studios. En 2009, él y su socia Stacey Snider se unieron a The Reliance Anil Dhirubhai Ambani Group para formar el nuevo DreamWorks. Esta nueva entidad es una continuación de DreamWorks Studios, que fue fundada en 1994 por Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen.
Spielberg es también el director más taquillero de todos los tiempos –considerando sus films en forma colectiva-, habiendo realizado películas de enorme éxito como Jaws, E.T. The Extra-Terrestrial, la saga Indiana Jones y Jurassic Park. Entre sus múltiples honores, ha sido galardonado con un premio Oscar® en tres oportunidades.
Spielberg recibió sus dos primeros premios Oscar® (al Mejor Director y Mejor Película) por la internacionalmente aclamada Schindler’s List, que recibió un total de siete estatuillas. El film también fue nombrado Mejor Película de 1993 por muchas de las principales asociaciones de críticos, además de recibir siete galardones BAFTA y tres Globos de Oro, incluidos los de Mejor Película y Mejor Dirección. Spielberg ganó, además, el galardón Directors Guild of America (DGA) por su trabajo en el film.
Su tercer premio de la Academia al Mejor Director fue por el drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial Saving Private Ryan, que fue la película más taquillera en Estados Unidos durante 1998. También fue uno de los films más galardonados de ese año; recibió cuatro premios Oscar® más, además de dos Globos de Oro (a la Mejor Película Dramática y al Mejor Director) y numerosos reconocimientos por parte de las mayores agrupaciones de críticos, en las mismas categorías. El realizador se llevó otro premio DGA y compartió un galardón Producers Guild of America (PGA) con los otros productores de la película. El mismo año, el gremio PGA también le entregó a Spielberg el prestigioso galardón Milestone Award (premio Hito) por su histórico aporte a la industria del cine.
También fue nominado a un Oscar® al Mejor Director por Munich, E.T. The Extra-Terrestrial, Raiders of the Lost Ark y Close Encounters of the Third Kind. Adicionalmente, recibió nominaciones a los premios DGA por esos films, además de por Jaws, The Color Purple, Empire of the Sun y Amistad. Con diez hasta la fecha, Spielberg posee más nominaciones a este premio que ningún otro director. En 2000, recibió el Premio DGA a la Trayectoria. También recibió el G. Thalberg Award de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, el premio Cecil B. DeMille que entrega la Asociación de Cronistas Extranjeros, los Honores del Kennedy Center y numerosos tributos profesionales.
Más recientemente, Spielberg dirigió la exitosa Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, la cuarta entrega de esta saga. Es productor del flamante estreno Super 8, dirigido por JJ Abrams. Entre sus próximos lanzamientos se destacan el film animado en 3D The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, basado en el legendario personaje creado por Georges “Herge” Remi.
También dirige CABALLO DE GUERRA, basada en la laureada novela homónima, que ha sido adaptada también para el teatro, con exitosas puestas tanto en Londres como en Broadway (donde recibió un premio Tony al Mejor Drama). El estreno de este film está previsto en Estados Unidos y América Latina a partir de diciembre de 2011. Por último, la producción de Lincoln, cuyo estreno está previsto en el otoño boreal de 2012, comenzará en octubre próximo.
La carrera profesional de Steven Spielberg comenzó en 1968 con el cortometraje Amblin, que lo convirtió en el director más joven en lograr un contrato a largo plazo con un estudio. Capturó la atención del público con su telefilm de 1971 Duel. Tres años después, concretó su debut directorial de un largometraje con The Sugarland Express, a partir de un guión que él coescribió. Su próximo film fue Jaws, el primero en su vasta carrera en superar la marca de los 100 millones de dólares.
En 1984, Spielberg formó su propia compañía productora, Amblin Entertainment. Bajo dicho sello, fue productor o productor ejecutivo de éxitos como Gremlins, Goonies, la trilogía Back to the Future, Who Framed Roger Rabbit?, An American Tail, Twister, The Mask of Zorro y los films de la saga Men in Black. Amblin también produjo la serie “ER”, junto con Warner Bros. Television.
En 1994, Spielberg se asoció con Jeffrey Katzenberg y David Geffen para formar DreamWorks Studios. El estudio logró el éxito, tanto en el aspecto comercial como de la crítica, y logró tres premios Oscar® consecutivos a la Mejor Película: American Beauty, Gladiator y A Beautiful Mind.
En su historia, DreamWorks también produjo o coprodujo una amplia variedad de largometraje, entre ellos los exitosos films Transformers, los dramas de la Segunda Guerra Mundial dirigido por Clint Eastwood Flags of our Fathers y Letters from Iwo Jima –que fue nominada a un Oscar® a la Mejor Película-, Meet the Parents, Meet the Fockers y The Ring, para nombrar sólo algunas. Bajo el sello DreamWorks, Spielberg también dirigió películas tan contundentes como War of the Worlds, Minority Report, Catch Me if You Can y A.I. Artificial Intelligence.
Spielberg no limitó su éxito a la pantalla grande. Fue productor ejecutivo de la serie “ER”, ganadora del Emmy, producida por Amblin Entertainment y Warner Bros. Television para NBC en EE.UU. Apoyados en su experiencia con Saving Private Ryan, él y Tom Hanks se asociaron para producir ejecutivamente la miniserie de HBO “Band of Brothers” (2001), basada en el libro de Stephen Ambrose acerca de una unidad del ejército estadounidense en la Europa de la Segunda Guerra Mundial. Entre sus muchos premios, el proyecto ganó premios Emmy y Globos de Oro a la Mejor Miniserie. Ambos talentos volvieron a reunirse más recientemente como productores ejecutivos de la aclamada miniserie de HBO “The Pacific” (2010), esta vez haciendo foco en la historia de la intervención estadounidense en el Océano Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. “The Pacific” ganó ocho premios Emmy, entre ellos el de Mejor Miniserie.
Spielberg también fue productor ejecutivo de la miniserie “Taken”, de Sci-Fi Channel y ganadora del Emmy, y de la miniserie “Into the West”, de TNT. Asumió también ese rol para la serie de Showtime “The United States of Tara” y de “Falling Skies”, de TNT. Será, además, productor ejecutivo de las series de próximo estreno “Terra Nova” (de Fox TV) y “Smash” (de NBC).
Además de su trabajo como cineasta, Spielberg ha dedicado gran parte de su tiempo y recursos a muchas causas filantrópicas. El impacto de su trabajo en Shindler’s List lo llevó a establecer –utilizando todos sus ingresos recaudados por el film- la fundación Righteous Persons Foundation. También fundó Survivors of the Shoah Visual History Foundation, que en 2005 se convirtió en USC Shoah Foundation Institute for Visual History and Education. Sumado a ello, Spielberg es presidente emérito de Starlight Children’s Foundation.
MARY MCLAGLEN (productor ejecutivo) es una veterana productora ejecutiva, responsable de muchos de los más memorables largometrajes de la industria. Más recientemente, fue productora ejecutiva de la exitosa comedia romántica LA PROPUESTA, con Sandra Bullock y Ryan Reynolds, y en breve se estrenará otro largometraje que contó con su producción ejecutiva, My Mother’s Curse, dirigido por Anne Fletcher y protagonizado por Barbra Streisand y Seth Rogen.
McLaglen mantiene una larga trayectoria profesional junto con la actriz ganadora del Oscar® Sandra Bullock. Trabajó con ella en ocho proyectos: LA PROPUESTA, All About Steve, The Lakehouse, Miss Congeniality 2: Armed and Fabulous, Two Weeks Notice, Divine Secrets of the Ya-Ya Sisterhood, Practical Magic y Hope Floats.
También fue productora ejecutiva de Dodgeball: A true Underdog Story, Pay it Forward, de Mimi Leder, y de la comedia de Barry Levinson Envy. Coprodujo One Fine Day, Sgt. Bilko, Moonlight and Valentino, The Client y Sommersby.
McLaglen, tercera generación de su familia en la industria del cine, es nieta del actor Victor McLaglen, ganador del Oscar® (The Informer, The Quiet Man) e hija del director Andrew McLaglen (McLintock!, Shenandoah, The Rare Breed). Su hermano, Josh McLaglen (Avatar, Night at the Museum, Titanic) es también productor ejecutivo de ACERO PURO y es uno de los más respetados productores ejecutivos y asistentes de dirección de la industria.
McLaglen también ha colaborado con su hermano en otros cuatro films, además de en ACERO PURO. Éste es su primer film con Shawn Levy.
Mary McLaglen comenzó su carrera como asistente de producción en las películas de su padre. Fue luego coordinadora de producción (Nomads, Runaway Train, Back to School) y encargada de unidad de producción (Jack’s Back, The Prince of Pennsylvania, My Cousin Vinny) antes de producir su primera película, Cold Feet, en 1988.
JOSH MCLAGLEN (productor ejecutivo) se graduó en la Universidad de California-Los Ángeles (UCLA) en 1980 con un título en Historia. Luego de trabajar con su padre, el director Andrew McLaglen, como doble de riesgo y asistente de producción, se unió al gremio de directores DGA en 1984. Trabajó como segundo asistente de dirección junto con su mentor, Duncan Henderson, en varios films. En 1987 fue primer asistente de dirección en la miniserie para TV “Amerika”. ACERO PURO es el cuadragésimo film de McLaglen como primer asistente de dirección.
En 2002, comenzó a trabajar en el doble rol de coproductor y primer asistente de dirección. En la actualidad, también con doble rol, es productor ejecutivo y primer asistente de dirección. Ha trabajado con laureados directores, tales como Taylor Hackford (actual presidente de DGA), Robert Zemeckis, Francis Lawrence, Michael Bay, Shawn Levy y James Cameron. Fue nominado en dos ocasiones para un premio DGA: en 2009, por Avatar, y en 1997 por Titanic, galardón con el cual se alzó.
McLaglen es uno de los pioneros en el uso de la tecnología de captura de la interpretación y tiene el gran honor de haber trabajado en dos de los films más taquilleros de todos los tiempos: Avatar y Titanic.
MAURO FIORE (cinematografía) ganó un premio Oscar® a la Mejor Cinematografía por su trabajo en Avatar. Entre sus créditos en cine también se destacan The A-Team, The Kingdom, Smokin’ Aces, The Island, Training Day, Driven, Lost Souls y Get Carter.
También ha trabajado en numerosos episodios de la popular serie humorística de HBO “Tracey Takes On…” y fue director de fotografía de los cortometrajes The Call, Ticker y Drag.
Fiore nació en Marzi (Calabria, Italia) y se graduó de Columbia College en Chicago, en 1987.
TOM MEYER (diseñador de producción) está trabajando actualmente en la producción de la versión de Shawn Levy de Fantastic Voyage, que será producida por James Cameron, la compañía de éste, Lightstorm, y 20th Century Fox.
Sus créditos en cine incluyen Jonah Hex, con Josh Brolin; Orphan, para los productores Joel Silver y Leonardo DiCaprio; Valkyrie, el film épico de Bryan Singer ambientado en la Segunda Guerra Mundial; We Are Marshall, A Lot Like Love, Blue Crush, Catch That Kid y el cortometraje Whatever We Do, producido por Tobey Maguire y seleccionado por la edición de 2003 del Festival de Cine de Sundance. Sus créditos como director de arte incluyen Crazy/Beautiful, de John Stockwell, The Way of the Gun, el debut directorial de Christopher McQuarrie, The Crow: Salvation y No Vacancy.
Meyer debutó como diseñador en la comedia negra Welcome to Collinwood, dirigida por Anthony y Joe Russo y producida por George Clooney y Steven Soderbergh. En 2006 se reunió con Clooney y Soderbergh, quienes fueron productores ejecutivos del telefilm Pu-239 junto con Peter Berg. Meyer ganó un premio Art Directors Guild a la Excelencia en el Diseño de Producción. Otros de sus créditos incluyen trabajos para televisión como director de arte, y también una amplia variedad de comerciales y videoclips musicales.
Comenzó su carrera como pasante a los 13 años de edad, en el famoso Actors Studio de Louisville, uno de los teatros más respetados de esa región. Con más de una docena de años de experiencia en el mundo del teatro, Meyer fue diseñador residente de Seattle Repertory entre 1993 y 1996, donde diseñó producciones como “Jolson Sings Again”, de Arthur Laurents, 2ª Fair Country”, de Jon Robin Baitz; y “An American Daughter”, de Wendy Wasserstein, todas dirigidas por el laureado Daniel Sullivan; además de “Bill Irwin’s Experiments”, “Pretty Fire” y “SubUrbia”.
DEAN ZIMMERMAN (editor) trabajó previamente con el director Shawn Levy en Date Night, Night at the Museum 1 y 2, y Just Married. Entre sus otros créditos cinematográficos pueden citarse Fun with Dick and Jane, Rush Hour 3, The Cat in the Hat, Jumper, Gulliver’s Travels y Flight of the Phoenix.
Sus primeros créditos en el cine incluyen A Walk in the Clouds y las comedias The Nutty profesor, The Ladies Man, Liar Liar y Half Baked. También trabajó en Patch Adams y en Galaxy Quest.
Zimmerman es miembro de la ‘familia real’ de editores de Hollywood, que incluye a su legendario padre, Don Zimmerman; su hermano gemelo, Dan, y su hermano menor, David.
MARLENE STEWART (diseño de vestuario) tiene un Máster en Historia Europea de la Universidad de California-Berkeley y se graduó en Diseño en el Fashion Institute of Design & Merchandising. Desde entonces, construyó una larga e ilustre carrera, trabajando con algunos de los cineastas más prominentes de nuestro tiempo.
Stewart fue una de las pioneras en la industria de los videoclips, habiendo trabajado para muchos grandes artistas, como Smashing Pumpkins, The Bangles, Eurythmics, The Rolling Stones, Janet Jackson y Debbie Harry. También integró en tres ocasiones la comitiva de gira de Madonna y diseñó prendas para algunos de sus videos más populares, entre ellos “Vogue”, “Material Girl”, “Like a Virgin” y “Express Yourself”. El video de “Vogue” recibió un premio MTV Music Video al Mejor Vestuario. Durante ese periodo también diseñó una línea de ropa contemporánea para mujeres, llamada Covers, que se comercializó en locales en Nueva York, Londres, Tokio, París, Milán y Roma.
Entre sus créditos en largometrajes se destacan Hansel and Gretel: Witch Hunters –de próximo estreno-, dirigida por Tommy Wirkola; Date Night y la saga de Una noche en el museo, todas dirigidas por Shawn Levy; Tropic Thunder, dirigida por Ben Stiller; Stop-Loss, dirigida por Kimberly Pierce; The Holiday, dirigida por Nancy Meyer; Hitch, de Andy Tennant; 21 Grams, del director Alejandro González-Iñárritu; Ali, de Michael Mann; Coyote Ugly, dirigida por David McNally; Gone in 60 Seconds, de Dominic Sena; Enemy of the State, de Ridley Scott, The Phantom, de Simon Wincer; True Lies, de James Cameron; JFK, dirigida por Oliver Stone y Siesta, de Mary Lambert.
Stewart ha recibido un premio Bob Mackie al Diseño.
DANNY ELFMAN (compositor) ha recibido numerosos galardones, entre ellos un premio Grammy, un Emmy, tres nominaciones a los Globos de Oro y cuatro a los premios Oscar®. En 1998 recibió una doble nominación en la categoría Mejor Música Incidental por su trabajo en Men in Black, de Barry Sonnenfeld, y por Good Will Hunting, de Gus Van Sant. Recibió su tercera nominación a los Oscar® por la música de la fantasía de Tim Burton The Big Fish. Elfman recibió su más reciente nominación al Oscar® por su trabajo en la música de la aplaudida película Milk, dirigida por Gus Van Sant; y su última nominación a los Globos de Oro por su música de ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, dirigida por Tim Burton.
En total, Elfman ha compuesto la música de más de 60 películas para una gran variedad de directores, entre ellos Tim Burton, Gus Van Sant, Sam Raimi, Shawn Levy, Ang Lee, Taylor Hackford, Paul Haggis, Errol Morris, Rob Marshall, Brett Ratner, Guillermo del Toro, Wayne Wang, Timur Bekmambetov, Barry Sonnenfeld, Brian De Palma, Peter Jackson, los hermanos Hughes, Richard Donner, Jon Amiel, Martin Brest y Warren Beatty.
Elfman trabajó en films de todos los géneros posibles, por ejemplo Spider-Man (1 y 2), Batman y Batman Returns, Men In Black (1 y 2), Edward Scissorhands, Beetlejuice, To Die For, A Simple Plan, Mission: Impossible, EL EXTRAÑO MUNDO DE JACK, Family Man, Wanted Taking Woodstock, Dick Tracy, Darkman y Chicago.
Para televisión, Elfman ganó un Emmy por la cortina de la serie “Desperate Housewives” y fue nominado a los mismos galardones por la cortina de “The Simpsons”, la serie animada de comedia más duradera en el aire de todos los tiempos.
Nativo de Los Ángeles, Elfman comenzó a componer y tocar profesionalmente a los 18 años para el grupo francés de teatro Le Grand Magic Circus. Al año siguiente colaboró con su hermano, Richard, y ambos tocaron piezas de teatro musical en las calles de California. Elfman trabajó después con un ‘cabaret musical surrealista’ durante seis años, con el cual pudo explorar los más diversos géneros.
Durante 17 años escribió y tocó con la banda de rock Oingo Boingo, que produjo hits como “Weird Science” y “Dead Man’s Party”. Su primera orquestación por encargo, “Serenada Schizophrana” se estrenó en el Carnegie Hall. Su primera composición para ballet, “Rabbit and Rogue” se estrenó por el American Ballet Theatre (ABT) en The Metropolitan Opera House del Lincoln Center neoyorquino, en junio de 2008. El ballet fue coreografiado por Twyla Tharp.
Sus más recientes créditos en cine incluyen el éxito ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS; la próxima película dirigida por Gus Van Sant, Restless; FRANKENWEENIE y Dark Shadows. Su show del Cirque du Soleil, “Iris”, se estrenó este año con funciones permanentes en el Kodak Theatre angelino.
– LOS CAMPEONES NO NACEN; SE HACEN –
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